En fouillant dans les archives numérisés de bibliothèques et musées disponibles sur Flickr Commons, j’ai retrouvé quelques vues de lieux visités qui datent d’entre 1890 et 1900. Ce sont des photographies colorisées, ce qui donne ce petit aspect illustration. Plus précisément, on appelle cette technique celle du photochrome. Il s’agit de prendre une photo en noir et blanc et de la colorier grâce à une succession de transfert sur des plaques lithographiques. On a une plaque par couleur, c’est pourquoi nous avons des images joliment contrastées.

Vor Frelsers Kirke

Au bout de 400 marches bien raides et étroites, l’arrivée en haut de la tour de l’Église de Notre Sauveur de Copenhague donne sérieusement le vertige. Je ne suis pas montée jusque tout en haut, mais une vue du premier balcon donne déjà un bon aperçu de la ville.

Voir les mécaniques des carillons est un petit privilège qui se mérite. Fermez bien vos poches et vos sacs, j’ai pu voir un bel iPhone faire un plongeons de plusieurs mètres entre les escaliers.

Vor Frelsers Kirke, entre 1890 et 1900, Library of Congress

La Bourse et Christianborg Slot

Le château au premier plan est le Christianborg Slot, aujourd’hui parlement danois. La famille royale continue néanmoins d’en occuper certaines partie.
Cette place est très fréquentée et appréciée des touristes qui peuvent concentrer dans une même zone plusieurs visites consécutives. En allant à droite par rapport au photochrome, on pourrait voir le Théâtre Royal que je n’ai malheureusement pas photographié à cause d’une énorme zone de travaux juste devant.

Derrière, on voit une tour haute sur laquelle est sculptée le motif de quatre queues de dragons entrelacées. L’influence viking est bien présente, et il est impossible d’oublier la mythologie ici !

Frederiksborg Slot

30 Km au nord de Copenhague à Hillerød, le château de Frederiksborg a été construit par Christian IV (1588-1648) ou celui qui semble avoir en réalité tout fait construire. On l’appelle la Versailles danois et il aura droit à son propre billet.

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Pour compléter son site, il faut connecter Vizify avec son blog, son profil LinkedIn, Facebook et Twitter. Ensuite une moulinette passe sur les données afin d’en ressortir les informations qui seraient essentielles.

Pour le moment, je n’ai pas plus personnalisé mon profil que cela. Toutes les données présentes sont celles que prend Vizify par défaut et je suis plutôt surprise par la pertinence de ce qu’il relève. Au premier coup d’oeil, je dirais qu’il reprend simplement les quelques publications les plus commentées, aimées, partagées afin de fournir ce résumés de 15 pages.

On dirait qu’il y a beaucoup de choses présentées, mais chaque point est en réalité une des pages et la navigation permet ensuite de passer aux autres points. On tourne en rond dans la carte. Dans les fonction de personnalisation, on peut ajouter soi-même des points et définir la manière dont ils sont présentés afin de mettre certaines choses plus en avant que d’autres.

Au final, je trouve que c’est plutôt bien fichu et cela répondra à la demande des personnes qui souhaitent un profil en ligne complet et représentatif à créer en quelques clics. Le côté datavizualition m’a bien plu. Pour parvenir à ce résultats, je pense que cela m’a à peine pris 10 minutes pour disposer d’un vizify.com/sonpseudo.

> Vizify
> Mon profil Vizify 

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Woman in a cell, playing solitaire est l’oeuvre de Nickolas Muray (1892-1965) dont la patte est notamment très connu pour une photographie du Père Noël de dos tenant une tasse de chocolat.

J’ai donc voulu m’intéresser de plus près à Nickolas Muray et j’ai découvert ce que bon monsieur était – en plus d’être photographe – sabreur et a représenté les États-Unis lors des Jeux Olympiques d’été de 1928 et 1932.

Les photographies que vous voyez ici sont issues de la collection numérisée du George Eastmann House,  à savoir le musée créé par George Eastmann, fondateur de la firme Kodak.

Nickolas Muray, « Woman in cell, playing solitaire », 1950

La plupart de ces photos ont été réalisées pour le McCall Magazine et on voit bien un style Nickolas Muray en action. Nous avons un personnage féminin au physique et à la tenue irréprochable pour correspondre aux canons de la beauté de ces années. Des couleurs chaudes grâce au maquillage de la femme ou à se vêtements créent un contraste avec un fond sombre ou de couleur froide. Le personnage est bien visible et se détache du fond pour attirer l’attention.

Nickolas Muray, Couverture du McCall Magazine, 1942

Nickolas Muray, WHITMAN CHOCOLATES, EASTER HAT, 1945

Nickolas Muray, La nuit avant Noël, McCall Magazine, 1939

Nickolas Muray, « Lucky strike, la fille en rouge », 1939

Nickolas Muray, McCall Magazine, 1939

Nickolas Muray, McCall Magazine, 1939

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Et puisqu’il est connu que j’ai toujours faim, passons à table.

Visiblement, lorsque Bonne Maman® décide de sortir un nouveau biscuit, c’est forcément en grande pompe. Lancement d’une page Facebook dédiée, double concours pour gagner un robot de cuisine plus cher qu’une indemnisation de stage , envoi de colis surprise « de dégustation » et garanti que plus il y aura de photos, mieux ce sera.

Tout est pensé, et tout est même plutôt bien pensé. Quant au biscuit, il est tout à fait fidèle à ce qu’on attend de lui. Déjà il est très bon, et il est imparfait. L’irrégularité du nappage de chocolat au lait est la note qui vient achever le message d’authenticité.

Je me demande comment cela se pase. Les produits Bonne Maman® n’ont jamais mis en avant une quelconque manufacture artisanale, pourtant les biscuits d’une même paquet sont bien différents. Ont-ils des machines déréglées, les employés ont-ils pour consigne de faire déborder les préparations ? C’est un mystère à la hauteur du rire de la Vache qui rit®.

Et comme je parlais de concours, sur la page Facebook de Bonne Maman Gâteau il est possible de gagner dès ce lundi un robot KitchenAid d’une valeur de 500 euro.

* Paquet de gâteaux reçu, le marketing anti-régime, en revanche j’ai moi-même fait le Banana Bread.
Vous avez sans doute remarqué que j’avais trouvé le bouton pour faire des ®®®®®®®. C’est fantastique ce que la technologie peut faire. 

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La première salle est quasi entièrement consacrée à Star Wars avec un détour par l’univers de Harry Potter. J’ai pu y croiser un Dark Vador de 2 mètres de haut, un clone arc d’ 1 mètre 50, une fresque impressionnante, une ville et son métro.

Hop les images !

Défilé du 14 juillet

Vers l’Espace

Dans le monde de Harry Potter

Une Ford Anglia survole la gare

Le tournoi de la Coupe de Feu approche

Chez les pirates

Star Wars, In a galaxy far far away…

Sur Tatooïne

Faucon Millenium

La bataille de Naboo

TIE Fighter

Naboo Starfighter

La bataille de Hoth

Chez Yoda

Détail de fresque

Vue d’ensemble sur la fresque, et vue du Arc !

Dans la ville

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> Top des twitteuses

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Elle, Août 1953, source

Ma voisine avait une cuisine entièrement décorée en vichy rouge. Elle collectionnait même tous les objets vichy rouge afin de les exposer dans sa belle cuisine bien assortie.

Les motifs textiles ont toujours été porteurs d’un certain message. Les Byzantins aimaient le pourpre, la couleur royale, les uniformes et autres habits de cérémonie montrent bien l’importance de la couleur du tissu. Et la chose fascinante avec le vichy rouge est certainement le fait qu’elle évoque des ambiances différentes mais qui ont un point en commun assez facile à deviner.

Le mariage de Brigitte Bardot avec Jacques Charrier a sonné l’heure de gloire des carreaux roses et blancs puisque BB portait une robe de mariée qui en était entièrement couverte. Glamour et fashion, nous sommes quelque peu éloigné du camembert Le Rustique qui n’hésite pas à s’auto-proclamer Le goût authentique de France.

Entre nous, c’est un peu prétentieux de dire qu’on concentre en un bout de fromage toute la saveur authentique, réelle, originale, de la France. Je veux bien que le camembert ne soit pas apprécié par tout le monde à l’étranger, mais ce n’est pas non plus la mer à boire.

Fort heureusement, le niveau est relevé avec les gourmandises de Bonne Maman. Tandis que chez Le Rustique on mise plein pot sur le vichy rouge, la typographique de style onciale (oh le mot technique !) et la silhouette de village et le pictogramme agriculteur, chez Bonne Maman on est plutôt dans un genre maîtresse d’école.

Pour résumer la chose, chez Le Rustique on vient de finir le gigot et les patates en famille, alors que chez Bonne Maman on prépare gentiment le petit-déjeuner ou le goûter aux enfants dans un esprit à mi-chemin entre Marcel Pagnol et Les Choristes.

Mais vois sur ton chemin, il s’agit dans les deux cas de rassurer un consommateur inquiet de ne plus savoir ce qu’il mange. L’authentique et la vraie recette prête-à-manger comme si on l’avait fait soi-même est un argument qui ne sera jamais démodé.

Avec le goûter passé, c’est l’heure de passer à l’apéro ! Et il n’y a rien de plus beau dans le vichy rouge qu’une belle nappe, une belle serviette pour aller pique-niquer ou encore danser en guinguette. Le vichy rouge, c’est le moment de convivialité qu’on recherche pour s’adonner aux petits plaisirs de la vie.

Cochonou est donc le partenaire de nos apéros entre amis tout en respectant, selon ses mots, le savoir-faire, l’authenticité, le vrai bon goût comme on l’aime chez nous ! 

Je ne sais pas ce que vous en pensez, mais je trouve cela terriblement chauvin comme communication. Mais tant que cela est réellement produit en France, pourquoi pas ?

Heureusement, la concurrence fait presque dans l’originalité en misant sur la couleur du papier oxydé, le craft et le cageot de biscuit.

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Il semblerait que toutes les affiches parlant du monde de la radio soient construites sur le même schéma. Nous avons un gros plan sur le micro et nous ne voyons jamais les yeux de la personne qui parle. Seul la voix compte et c’est un motif très pratique pour parler d’un film où le sujet central n’est pas l’image mais bien ce qui se passe autour du son.

Le discours d’un Roi ou encore Radiostars ont des affiches similaires.

Mais ce a attiré mes yeux vers l’affiche de La Maison de la Radio, c’est cette tête flottante. Je trouve cela assez perturbant d’avoir une tête qui flotte avec une espèce de fondu dans l’arrière-plan.
L’origine de cette anatomie curieuse vient sans doute du fait qu’il s’agit d’une image du film reprise pour les besoins de l’affiche et qu’on ne peut pas inventer une image qui n’existe pas. C’est bien dommage vu les prouesses qu’on exécute aujourd’hui avec les logiciels de retouche.

© Les Films du Losange

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Je vous rassure, je compte bien les enlever au moment où je le prendrai pour m’en servir. Mais quelques poissons et étoiles ont bien suffi à m’occuper quelques dizaines de minutes.

Pour information, j’ai trouvé ces sympathiques papiers pour origami chez Muji.

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Upside down
Boy, you turn me
Inside out
And round and round
Upside down
Boy, you turn me
Inside out
And round and round

Bon sang, encore Diana Ross, mais nous ne sommes pas si loin de ce qui est conté dans la chanson. J’ai tenté de définir ce film en quelques mots et voilà ce qui me vient en tête : visuellement splendide, un conte de fée à 60 millions de dollars, un concept extrêmement fertile pour un univers étendu.

Nous avons deux mondes très proches et disposant chacun de sa propre gravité. Quand on vient d’en bas, on subit la gravité du bas, quand on vient d’en haut, on subit la gravité du haut. Les mondes ne se mélangent pas et les personnes qui les habitent encore moins. Le monde d’en haut est prospère tandis que celui du bas revend son pétrole pour une bouchée de pain. Le seul et unique endroit où les deux mondes sont en contact est cette tour qui appartient à la société Transworld.

Un contact a pourtant existé pendant plusieurs années entre deux personnes amoureuses, Eden (haut) et Adam (bas) qui se rencontrent aux sommets de deux montagnes qui se rejoignent. Le réalisateur Juan Solanas confie que l’idée de ce film lui vient de cette seule image lui étant venue en tête un jour. L’image d’un homme en haut d’une montagne, et d’une montagne inversée où se trouve une femme.

Ce monde est absolument imaginaire. Pourtant sa construction bipolaire et les relations entre les sociétés sont des miroirs convainquant de ce que nous voyons au quotidien. En ce sens, ce film d’1 heure et 45 minutes est une merveilleuse base pour la construction d’un univers étendu et d’histoires parallèles d’une grande richesse.

Autre chose, ce film est beau. Bien entendu ces images sont impossibles mais leur poésie mérite largement le détour. Pendant le film, j’ai pensé aux nuages qui se mélangent chez Caspar David Friedrich et au Petit Prince. Pourtant ces références sont insuffisantes pour vous décrire l’intensité de ces images.

Allez voir le film, il n’est pas impossible qu’il devienne culte.

Caspar David Friedrich, Ziehende Wolken (Nuages en mouvement)

Le Petit Prince

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© Musée du Louvre / G. Poncet

L’art peut-il autoriser l’homogénéité ?

L’exposition veut montrer tant le travail des personnes qui ont produits les fresques, les peintures, sont des artistes au sens contemporain du terme.

Cela s’explique sans doute par la difficulté des égyptologues et des historiens d’art occidentaux à reconnaître le statut d’artiste aux créateurs de cette production plus de trois fois millénaire, admirée de tous, mais rarement identifiée comme étant l’oeuvre d’une main reconnue.

Seulement le statut d’artiste implique une la notion d’auteur et la spécificité de son trait par rapport à celui des autres. Sans doute les producteurs eux-mêmes se voyaient plutôt comme des artisans au service d’un maître de chantier. Certes tout cela nécessite une maîtrise et une dextérité hors du commun, mais peut-on dire qu’il y a une notion d’auteur une énième reproduction du même motif à l’identique par mise au carreaux pour une stèle. Où se trouve la spécificité ? Cette exposition a manqué de cela, de montrer et découvrir les traits personnels, et éventuellement les auteurs identifiés. Quid des architectes de l’Égypte ancienne ?

L’exposition mérite d’être vue pour les très belles pièces exposées, la précision des traits, la technique. Je suis un peu déçue de devoir seulement me dire « c’est magnifique, oui ce sont des artistes ».

Le contour et la relation au trait, une définition du réel

Étrangement, la pratique du dessin commence toujours par prendre un crayon de bois et une feuille pour ensuite étaler des couches de carbone en ligne sur le support. La mine est plus ou moins friable, plus ou moins tendre, et même si on dispose d’un crayon très gras il y a toujours ce rapport au trait qui demeure très fort.
Pourtant le trait n’a jamais été une obligation et le contour l’est encore moins. Contourer, entourer, permet de délimiter un espace et de le définir avec précision. Tandis qu’il est possible de choisir de ne pas contourer certaines parties d’un sujet, on peut également très bien poser des lignes fixes pour ne pas laisser le choix de l’interprétation. En effet, donner des choses floues ou des zones non délimitées dans une image permet aussi de laisser au cerveau reconstituer lui-même ce qui devrait être là pour reconnaître le sujet.

Quelque part, n’oublions pas que l’art de l’Égypte ancienne telle que nous la connaissons aujourd’hui est un art sacré et aussi un peu mystique et que nous sommes dans une société aux codes bien définies. Le pharaon est un dieu et il est hors de question de douter de ce fait. Il paraît en ce cas naturel de retrouver dans cet art une vision du monde qui ne permet aucune interprétation.

Exposition L’art du contour, le dessin dans l’Égypte ancienne
Du 19 avril au 22 juillet 2013, Aile Richelieu, Musée du Louvre
> Site de l’exposition
> Galerie photo de l’exposition sur la page Facebook du Musée

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Illustration de Gustave Doré – 1883

Aujourd’hui, une recherche sur le chat botté nous amène très facilement à deux images. Il y a celle de la célèbre illustration de Gustave Doré (1832 – 1888) datant d’une édition de 1883 du conte, et la très récente interprétation exécutée dans le cadre du film des studios Dreamworks qu’on ne nomme plus… Shrek.

Pour revenir à l’image réalisée par Gustave Dorée (cliquez dessus pour voir en grand), on peut se demander en quoi elle devient si emblématique du personnage. Comme je le dis souvent, le référencement Internet est une histoire de popularité, et c’est pareil dans tous les domaines. Si une image parmi tant d’autres pour le même sujet devient plus célèbre qu’une autre, c’est qu’il a une raison.
Cette image peut abriter des éléments qui sont représentatif d’une situation ou d’une époque. En ce qui concerne les deux illustrations réalisées par Gustave Doré qui illustrent ce billet, je peux dire au doigt mouillé qu’elles me font l’effet d’une représentation de dieu de l’Antiquité grecque (ou romaine puisque ce sont les mêmes). Nous avons un personnage accompagné d’attribut sans lesquels il serait absolument méconnaissable. Imaginez donc ces images sans bottes, sans ceinturons, chapeau et cape. Nous n’aurions qu’un chat intelligent digne d’une foire itinérante.

Illustration de Gustave Doré

L’histoire du chat botté est fantastique. Bien sûr il y a des milliers de contes et de fables où sont présents des animaux doués d’intelligence. Ce qui est merveilleux chez le chat botté, c’est le fait qu’il soit non seulement intelligent mais qu’il ait toute la prestance d’un bretteur de talent. Ce n’est évident pas pour rien que le casting de Shrek ait choisi Antonio Banderas comme acteur, puisque ce dernier a tout de même joué Zorro au grand écran.
Le chat botté est une forme d’Aristochat, à l’exception qu’il ne fait pas de jazz pour préférer l’escrime. Conscient des hiérarchie de la société et faiseur de bonnes actions, c’est quasiment le parfait gentilhomme. M. Jourdain en serait jaloux !

Le chat botté – Estampe – 1847

Mais Le Maître Chat ou Le Chat Botté est avant tout une histoire qui se lit et qui se raconte.

Il est donc naturel que le personnage et ses aventures dans ses représentations visuelles aillent au-delà de la gravure d’illustration. Le support de l’image d’Épinal qu’on appelle aussi image pellerin – du nom de M. Jean-Charles Pellerin – est idéal. Certains disent que c’est l’ancêtre de la bande dessinée, ce qui serait ignorer les fresques de l’Egypte Ancienne ou encore des miniatures de Bible bien connues parmi bien d’autres exemples.

Pour leur défense, il est vrai qu’on voit bien une succession de vignettes dans lesquelles évoluent des personnages répétées d’une case à l’autre. Des commentaires sous chaque image se substituent aux bulles.

Les images d’Épinal permettent de diffuser des histoires, des champs ou des messages destinées à une certaine classe populaire. C’est le moyen idéal de faire passer un message, c’est la raison pour laquelle il n’est pas étonnant d’en trouver en temps de guerre. Ce qui s’en rapproche le plus aujourd’hui serait pour moi les images dans les emballages de pâtes de fruits, et celles des cartes de jeu de tarot que je ne cesse d’admirer au lieu de compter les atouts qui tombent…

Le chat botté – Estampe – 1846

Le chat botté – Couverture de livre – 1936

La Belle au bois dormant : Ludmilla Schollar (la chatte blanche) avec Errol Addison (?) (le chat botté)] – Photographie de Stage Photo Company, Londres – 1921

Autre solution pour raconter l’histoire du chat habile à l’épée est le théâtre. Le chat est reconnaissable encore une fois par ses attributs. Remarquons qu’en plus de sa tenue de bretteur, il dispose également de trophée qui permettent d’attester de son talent de chasseur. Chez Gustave Doré, le chat botté dispose d’une souris attaché à sa ceinture. C’est sans doute un casse-croute en cas de faim entre deux duels.

Une affiche dont l’auteur n’est autre que Jules Chéret (1836-1932) montre un chat qui soulève à patte levée un lapin blanc fraichement chassé.
Non ce n’est pas là le résultat d’un tour de magie durant lequel le chat botté aurait sorti de son tricorne à plume un beau lapin blanc, mais c’est bel et bien un trophée de chasse qu’on montre pour être certain que le public constate qu’on est un dur.

Au passage, un mot sur Jules Chéret tout de même ! Ce monsieur fut fils de typographe, peintre et lithographe. A priori tout est fait pour qu’il devienne artiste affichiste ! C’est la bonne époque, puisqu’à une très belle époque l’affiche publicitaire était un terrain artistique tout à fait adéquat pour se faire connaître. Un monsieur du nom de Henri de Toulouse-Lautrec (pour ne nommer que lui) avait bien compris cela ! Les affiches étaient alors signées et une publicité était appréciée tant pour sa qualité visuelle que pour le produit qu’il montrait.

Parmi les auteurs de publicités qu’on a volontier en guise de décoration dans son salon, les boutiques de souvenirs parisiennes sont truffées d’images réalisées par Alfons Mucha (1860-1939) le Justin Bieber de l’affiche.

Affiche de Pantomime – Spectacle équestre – 1880

Le chat botté – Affiche de Jules Chéret – 1878

Mais pourquoi s’arrêter aux images fixes ? Le chat botté a lui aussi le droit à des rêves de petits et grands écrans ! Une fiction télévisée de 1966 retrouvée au fond d’un tiroir de l’INA met en scène un descendant de l’illustre chat botté.

La consécration au cinéma est sans doute celle des années 2000 avec l’apparition du chat potté pour la traduction de Puss’n Boots. Ce félin qui emprunte la voix d’Antonio Banderas a alors le style d’un John Wayne et le talent de Mace Windu.

Image du film Le chat potté – 2011

Mais Puss’n Boots, c’est aussi le nom d’une marque de nourriture pour chats domestiques.

Publicité Puss’n Boots – Date non retrouvée à cause de mon incompétence

Publicité Puss’n Boots – Date non retrouvée à cause de mon incompétence

Conrad & Deans, Puss ‘n Boots display – Adolph B. Rice Studio – 1954

Malheureusement, le chat botté a bien évolué avec son temps et telle une Kim Kardashian il vend son image à la marque Friskies. Publicité télévisée, packaging spécial, tout est mis en oeuvre pour avoir autant de succès que le dernier Happy Mean M. Pokora.

Maintenant, j’attends encore le chat botté de l’espace voyageur dans le temps et sauveur de lolcats.

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Les communications actuelles sont de plus en plus numériques, et j’ai presque honte d’écrire cette phrase tant cela paraît évident. En revanche, prendre en compte ce fait permet éventuellement de trouver une piste pouvant expliquer ce regain d’intérêt pour la fameuse histoire du sexisme dans les milieux virtuels, numériques, informatiques.

C’est un débat que je suis de loin sans m’y attarder car la plupart des personnes qui s’y aventurent sont le plus souvent ceux qui n’écoutent pas. Pourtant, en tant que personne dite de la génération Y et bercée très tôt dans des mondes virtuels au sein du réseaux des réseaux (dixit Dominique Cardon dans La démocratie Internet : Promesses et limites), je me suis demandée si je m’étais sentie au moins une fois agressée ou considérée à part pour la seule et simple raison d’être du sexe féminin.

15 ans, adolescente, je m’inscris sur un forum de jeu de rôle dédié à l’univers de Star Wars. C’était un jeu entièrement basé sur l’écriture, nous jouions des personnages fictifs qui évoluaient dans l’univers de l’Ancienne République. Jouant un personnage féminin, et ne me cachant pas, tout s’est très bien passé. L’accueil est même tout à fait positif car il est toujours apprécié d’avoir de réelles filles plutôt que des garçons se faisant passer pour des filles pour les besoins du scénario. Nos avatars étaient en effet très attachés aux personnages et les deux fusionnaient pour que nous incarnions nos identités virtuelles. Une section du forum étant consacrée aux discussions annexes hors du jeu et c’est là que nous apprenions à nous connaître.

Ma présentation sur le forum du chan IRC #starwars.

Un des sites de référence était l’Holonet et son forum était Le Cercle des Étoiles. Sur ce dernier j’avais entamé une discussion intitulée « Les filles et Star Wars » pour recenser et comprendre. Les discussions avaient toujours été positives, il n’a jamais s’agit d’exclusion. Je pense que cette introduction dans une communauté virtuelle n’aurait pu être meilleure que dans la sphère Star Wars. En effet, la communauté de fans est sans doute celle dans laquelle on pourra facilement sans être jugé car le seul critère d’entrée est d’avoir un centre d’intérêt en commun. La compétence ou le taux de connaissance des personnages de l’univers étendu n’est pas un prétexte à noter des personnes. C’est même plutôt l’inverse puisque la communauté ne va jamais cesser de conseiller d’autres ressources pour aller plus loin dans la passion.

Être une femme est déterminant dans le geek test

L’accueil des femmes y est bon, car un élément féminin fait souvent figure d’exception. Il y en a peu, elles sont peu nombreuses à s’intéresser et à participer au sein des communautés, pourquoi les rejeter ? Là où je donne raison aux propos féministes accusant les milieux dits geeks d’être malades, c’est qu’il est vrai qu’on n’arrive pas en terrain neutre. On sait très bien qu’en arrivant sur un site, un forum, un lieu de jeu en ligne, on sera identifié en tant que femme en plus qu’en tant que participant. Ce sera une étiquette supplémentaire alors que « participant » aurait pu suffir.

Ensuite il y a eu IRC que je fréquente toujours, découvrant de plus en plus de salons de discussions, je commence à découvrir le monde des passionnés en informatique et notamment la sphère du logiciel libre grâce à la communauté PC INpact.

Qu’une personne de sexe féminin s’intéresse à des domaines dits masculin est toujours apprécié. Les bonshommes sont bien heureux de donner un coup de main à cette jeune fille ayant cassé son xorg.conf à la suite d’une manipulation hasardeuse. Elle est alors confrontée aux débats entre les chèrs amis geeks qui vont se battre pour conseiller plutôt Vi ou gedit ou encore nano. C’est fantastique d’avoir une armée de chevalier servants.

Le pire accueil que j’ai pu recevoir dans ces communautés a sans doute été celui fait par les femmes. J’appelle cela le syndrome du harem. Comme dit plus haut, avec une majorité d’hommes, la femme est une exception, précieuse, elle retient toutes les attentions. Or dès qu’une autre fille se pointe, cette personne au début sympathique devient alors une sorte de rivale là où la rivalité n’existe pas. Mais vous allez me dire que c’est aussi parce que je suis incapable de me défendre.

En 2009, je suis entrée dans le comité d’organisation des Rencontres Mondiales du Logiciel Libre. Il y avait alors un groupe qui voulait valoriser les compétences féminines dans cette sphère principalement composée d’hommes. J’ai le très mauvais souvenir de leur intention d’organiser des conférences de vulgarisation à destination d’un public féminin (pourquoi pas) mais en interdisant la présence des hommes. À l’époque je ne disais pas encore WTF mais ma pensée équivalait tout à fait cette expression. Je crois que ce fut la première fois que j’avais à… discuter ? avec des personnes tout à fait extrémistes. Il s’agissait non pas de faire valoir son potentiel au sein d’une communauté mais plutôt de l’écraser avec une vision tout à fait conquérante.

Mais pour écrire assez franchement, avoir une paire de seins est un avantage qui vaut tout l’or du monde. Il suffit de ne pas être trop moche et de ne pas dire trop de bêtises pour obtenir un peu de considération. En y mettant du sien, on monte très vite en compétence car tous ces messieurs seront là pour donner leurs meilleurs conseils. La fille étant réputée comme peu douée dans ces domaines, les explications seront souvent progressives tandis que la communauté pourra n’avoir aucune pitié avec un arrivant à lunettes et boutonneux qui cherche à installer sa première Debian.
La femme aura une marge d’erreur beaucoup plus importante. J’insiste néanmoins sur le fait qu’il faut tout de même y mettre du sien, car lorsqu’on est une garce cela finit très vite par se voir.

Major Geek !

Alors si la communauté geek est sexiste, je ne sais pas. Je sais juste qu’elle essaie tant bien que mal de se défendre, que les évangélistes ne sont pas toujours très doués, et qu’il y a des cons partout. Pour évoluer dans cette sphère, ma solution a toujours été de savoir ce que je sais – pour ne pas me faire marcher sur les pieds – et de surtout savoir ce que je ne sais pas pour ne pas devenir une connasse qui veut interdir les hommes dans les conférences.
Ce milieu est comme tous les autres, s’insérer dans une communauté lorsqu’on fait exception (ici en tant que femme) n’est forcément pas évident. Il faut y mettre du sien, et effectivement on tombera toujours sur des idiots ou de véritables sexistes. Lorsque c’est le cas, ne criez pas au loup car vous allez perdre en crédibilité, mais faîtes lui bien comprendre ce que vous pouvez valoir aussi et cela lui fera une vraie leçon.

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Mais une journée sans le musée du Louvre, c’est aussi une journée sans un des centres névralgiques de la Capitale.

Les visiteurs frustrés se collent à la vitre de la cour Richelieu pour prendre en photo les sculptures.

De l’Allemagne est le nom de l’exposition que je comptais voir ce jour là. Réservations prises plusieurs jours auparavant, j’apprends la fermeture du Louvre avant de partir malgré une satanée cruralgie qui m’a clouée au lit. Mais puisque j’avais payé d’avance, j’allais bien faire un effort ! Après un coup de fil à la billetterie FNAC et une annulation de billets, je décide de prendre l’air quand même.

Le Carrousel du Louvre semble quasiment désert, pas de shopping après un rendez-vous avec la Vénus de Milo ni même un petit café après une séance de conversation avec la momie. Dans les couloirs, je croise un petit groupe d’étudiants avec des cartons à dessin qui ont loupé leur séance de croquis et quelques incorrigibles touristes qui veulent tout de même tenter le coup.

Il me reste 15 minutes avec mon rendez-vous, c’est tout juste le temps dont j’ai besoin pour prendre un Mocha au Starbucks. Bien sûr mes oreilles trainent et j’entends les commentaires autour de moi. Un employé d’une boutique voisine parle de la colère et des questions de visiteurs qui lui ont demandé toute la journée quand le musée allait réouvrir.
Et oui, c’est comme avec les transports en commun, quand ton plan change tu te défoules sur le premier venu.

Café en main, je me dirige vers la sortie en regardant d’un oeil amusé la boutique qui ne vend que des balais. C’est vraiment vide par ici, et je croise pourtant un groupe de visiteurs munis de badges et guidé par un homme trilingue qui les accompagne pour leur montrer La Victoire de Samothrace. Cet homme ne doit pas être au courant que le musée est fermé, mais après tout, pourquoi le serait-il ?

Si le Louvre ferme, c’est toute l’activité culturelle de Paris qui se fige et qui se charge de trouver un plan B. Les guides revoient leur programmes et se jètent sur le musée d’Orsay pour la proximité, les tours de Paris en 2 jours sont dans l’obligation de revoir leurs réservations et d’autres n’ont pas l’honneur de goûter à deux heures de file d’attente devant la Pyramide du Louvre sous la pluie.

Traverser la rue de Rivoli devient un jeu d’enfant, les cars sont absents pour laisser la place à quelques taxis et je ne serais pas étonnée d’apprendre que le MacDonald soit déçu de ses chiffres de la journée.

Le Louvre serait donc vide ? Allons voir.
Le passage Richelieu est habituellement un couloir entre le parvis du palais et la station de métro. Mais aujourd’hui c’est différent, il devenu la vitrine du musée. Plusieurs groupes de personnes se succèdent effectivement le long des vitres des cours pour approcher ,et peut-être, voir quelques sculptures. Certains prennent des photos, d’autres se prennent en photo devant la vitre. À l’intérieur, on aperçoit un agent d’entretien et des personnes en costumes noirs. C’est une consolation comme un autre.

Jeudi le Louvre sera réouvert, la ronde reprendra.

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On savait déjà que poser avec un appareil photo était le summum de la tendance jusqu’à faire de l’objet un véritable accessoire de mode. Ici Pull&Bear s’inspire directement de l’apparence de l’appareil photo pour l’allure de son flacon d’eau de cologne.

C’est un véritable mélange des sens puisqu’on utilise un outil visuel pour un produit olfactif. Plutôt qu’un pschit de parfum avant de partir, pourquoi pas un shot ?

[L'alcool est à consommé avec modération, et l'eau de cologne ne se boit pas.]

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En réalité, j’ai arrêté de faire du vélo quand je me suis installée dans le centre de Nantes et que je ne comprenais jamais où je pouvais rouler ou non entre les trams, les voies de bus et les Nantais qui traversent la route n’importe comment. Pourtant, j’aime vraiment faire du vélo.

Depuis un an, c’est la grande interrogation. Acheter ne pas acheter, rester en vélib’ pour investir… Il est certain qu’aller avec son propre vélo est beaucoup plus efficace surtout lorsque j’ai la chance d’être quasiment uniquement en piste cyclable entre mon domicile et mon bureau. S’il faut choisir, autant prendre un vélo fait pour la ville sur lequel je serai à l’aise et avec lequel je ne peinerai pas à monter les trottoirs. L’option VTC semble la meilleure pour faire à la fois de la route et pouvoir aller sur les petits chemins de terre si nombreux dans la zone entre Paris et Vincennes.

Après avoir longtemps été vexée par la page « vélo femme » de Decathlon qui affichaient uniquement des vélos électriques, j’ai aussi regardé du côté des vélo dit de route mais je ne voyais pas l’utilité d’investir autant pour de l’utilitaire. Contrairement à d’autres, je ne compte pas préparer le triathlon mais seulement profiter d’un vélo pour des déplacements quotidiens et ainsi me maintenir un peu en forme.

J’ai donc longtemps été attirée par le principe du vélo hollandais, celui qui a été totalement conçu pour la ville et le quotidien. Du choix, il n’en manque pas, mais il faut compter bien 500 euro pour un vélo neuf et il faut bien ça pour s’accorder le luxe d’un beau vélo confortable. Heureusement, certaines offres d’occasion sont également très bien.

Chez TulipBikes, on présente le vélo de la même manière qu’un sac de cuir de luxe sans étiquette de prix au Printemps de la mode. Mannequins bien habillés, vues sur la ville, dynamisme… si Festina n’avait pas décidé de faire sa pub avec Richard Virenque pour promouvoir leur état de chronomètre officiel du Tour de France 2013 (fallait oser), les deux marques auraient presque pu s’associer.

Il est vrai que je croise de plus en plus de vélo au look vintage en simple décoration dans les boutiques de vêtements. Une campagne H&M pour le printemps 2013 semble confirmer cette tendance.

La mode masculine et le vélo vont ici de paire. Quechua n’a qu’à bien se tenir !
Mais on ne s’arrête pas à une simple collaboration avec la marque de prêt-à-porter scandinave puisqu’elle la boutique revend une collection de vêtements dont l’égérie n’est autre que Badley Wiggins (par Fred Perry), le champion olympique et dernier vainqueur du Tour de France.

Bradley Wiggins Collection

Le vélo semble allier tous les critères à la mode en ce moment : retro, écologique, bon pour la santé. Il y a l’air d’avoir une forte préférence pour les vélo à pignon fixe alors que c’est tellement bien d’avoir des freins, sauf si on veut avoir l’air de sortir du film Les Triplettes de Belleville.

Enfin puisque j’étais partie pour vous raconter un peu ma vie, je vous présente le vélo qui sera le mien dans un futur proche.

source

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Les femmes de Stepford (2004)

Sortie de la romance de Les gens heureux lisent et boivent du café d’Agnès Martin-Lugand et de la pensée torturée de Le joueur d’échec de Stefan Zweig, un ami me conseilla la lecture du roman Les femmes de Stepford écrit par Ira Levin. Il me le présenta ainsi : C’est de l’anticipation féministe par l’auteur de Rosemary’s baby.

Banco, je me lance donc dans la lecture de ce roman paru en 1972. Il a été adapté deux fois au cinéma, la première en 1975 et la seconde en 2004. Sa sortie au cinéma ne m’avait d’ailleurs pas vraiment encouragée à aller le voir au point où j’en avais complètement oublié l’existence. Par ailleurs, l’argument féministe n’est pas vraiment un argument de lecture pour moi mais puisqu’on me dit qu’il s’agit d’un bon roman, j’y plonge !

Johanna quitte New York pour rejoindre une ville tranquille de banlieue nommée Stepford accompagnée de son mari et de ses deux enfants. Elle ne travaille pas mais exerce la photographie sur son temps de loisirs, des photographies qu’elle parvient à revendre à des agences toujours intéressées. Son mari quant à lui est avocat et travaille encore à New York.

La spécificité de ce couple ? Ils sont tous les deux militants pour l’égalité entre les sexes notamment à la maison et sur les décisions du quotidien. Les tâches ménagères sont partagées, la garde des enfants se fait avec négociation si l’un des deux a besoin d’une sortie solitaire, tout ce qui peut sembler très évident à l’heure actuelle.

Seulement les autres ménages de Stepford ne semblent pas vivre de la même manière. Mises à part dans deux familles qui viennent également d’arriver, les épouses ressemblent à des pin up de publicités pour lessive et s’enferment chez elles pour sans cesse frotter chaque parcelle de la maison.

Sur le sol de vinyle ivoire, quelque écran de plastique translucide, sorti de la publicité télévisée, venait se poser.

Les femmes de Stepford (1975)

Une cuisine normale, vivante, paraît alors impossible au point où Johanna se vante d’avoir une cuisine bordélique tant celles des autres maison sont beaucoup trop propres pour être réelles.

Peu à peu, Johanna voyant ses amies devenir elles aussi des ménagères parfaites – toujours belles, toujours à faire le ménage, toujours accueillantes et souriantes, toujours disposée – commence à s’inquiéter. Ces changements et ces comportements euphoriques et serviles viendraient-ils de la ville ? Que se passe-t-il au Club des hommes dont chaque mari fait partie en interdisant les épouses d’y entrer ? Serait-ce bientôt son tour ?

Soucieuse et agitée, Johanna demande l’avis de Walter son mari qui lui expose simplement :

Tes amies ont changé pour le raisons que je t’ai exposées : elles ont pris conscience de leur paresse et de leur négligence. Il était grand temps que Bobbie commence à se soucier de sa présentation. Toi aussi, tu pourrais peut-être t’en préoccuper un peu et consulter quelquefois ton miroir.

La femme est donc responsable du bien-être du couple et de la famille et doit être une épouse parfaite comme l’est devenue Bobbie car l’inverse n’est que pure paresse et égoïsme. L’une des amies de Johanna a même abandonné le tennis et fait détruire son terrain personnel pour favoriser l’activité de son époux. C’est du temps qu’elle peut allouer à autre chose de plus utile comme le ménage ou se pouponner afin d’être disposée à plaire.

C’est intéressant de voir que le point de vue masculin présenté par l’auteur (un homme) est celui où pour répondre aux besoins du couple et de la famille, la femme doit se mettre à disposition et abandonner ce qui fait d’elle un individu à part : son temps, ses loisirs, ses envies personnelles, sa personnalité. Mais le roman présente aussi un homme mauvais et égoïste par nature qui estime que pour le bien de tous, c’est la femme qui doit prendre le poids des tâches quotidiennes sans pour autant intervenir dans les décisions.

Les femmes de Stepford, parfaites et sans âme.
Les hommes de Stepford, dominants et fourbes.

Les femmes de Stepford est un bon thriller satirique qu’on lit avec plaisir . Et bien qu’on ne puisse pas être forcément en phase avec cette présentation manichéenne des rapports dans les foyers, il permet aussi de mesurer une dose de féminisme de l’Amérique des années 70.

> Les Femmes de Stepford, Ira Levin

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Chez Decathlon, la marche ne se fait qu’à deux. Un homme, une femme filent droit devant en échangeant éventuellement un regard pour se dire à quel point ils aiment marcher à deux. C’est jeune, c’est dynamique… c’est Domyos. Comment pouvais-je passer à côté d’une série de trois images sur la même page quasiment identiques ?

Et tel un flashback du meilleur des blockbusters américains, j’ai eu en tête le souvenir d’autres images. Être en couple, avoir du succès auprès de l’autre est effectivement un beau message marketing qui fait le succès des agences matrimoniales et des sites de rencontres.

La page « Marche » de Decathlon

Mesure de tendance sur un stock-shot

Pour rester dans la thématique marche, j’ai voulu voir ce que me disait Fotolia en ce qui concerne le trekking. Les images qui apparaissent en première page du service d’achats d’illustrations sont potentiellement celles qui se vendent le mieux, les plus demandées et les plus pertinentes.

Cela n’a pas manqué, une bonne partie des images représentent des couples homme-femme qui se lancent dans la marche sans ressentir la moindre fatigue. C’est l’épanouissement total, le sport et surtout à deux, c’est mieux que la coc’.

L’argument séduction

De ce point de vue, AXE n’a pas le monopole du coeur du produit qui permet de pécho de la meuf comme disent les autres. L’enseigne de prêt-à-porter masculine se débrouille très bien puisque la femme est au coeur de ses campagnes. En portant du Jules, non seulement on est beau, mais en plus on a toutes les filles qui nous court après. Entre nous, je ne suis pas fane de Jules et je me demande si persuader qu’on va toutes les faires tomber fonctionne vraiment comme argument.

Page du magazine Jules – souce

Page du magazine Jules – souce

Les filles aiment Jules – souce

Plaire à l’autre

Dans le domaine du parfum ou de tout ce qui est fabriqué en tissu, les produits semblent décidément être au centre des relations au sein du couple. C’est même ce qui semble cimenter la relation bien qu’on n’achète pas que des pipes. Voyez donc cette publicité américaine de 1915 où les regards masculins sont diriger vers la femme qu’il faut séduire avec ce beaux draps. C’est d’ailleurs elle qui décide puisqu’elle tient en main son petit porte-monnaie tout en s’assurant d’avoir l’approbation du moustachu au chapeau haut de forme.

Publicité de 1886-1897 – États-Unis – source

Et si vous en doutiez encore, cette affiche montre bien que lorsqu’on est bien habillé, alors on est bien accompagné.

Publicité de 1915, États-Unis – source

Achetez nos produits, et vous aurez un mariage heureux

Dans le même genre, l’achat d’un vélo semble visiblement être la clef pour avoir le bonheur dans la poche. Et pas n’importe quel vélo, une cyclette, bien que cela ne soit pas un réel vélo puisqu’il a une motorisation.

Publicité La Cyclette – source Gallica

Tant qu’à faire, je préfère avoir du chocolat pour mon mariage plutôt qu’un vélo électrique.

Publicité Poulain présentant un mariage juif – source

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Grainedephotographe.com est connu pour ses stages de photographies ainsi que pour la collaboration avec Yann Arthus-Bertrand que j’ai aperçu hier soir lors du vernissage de l’exposition. Aperçu est bien le mot car lorsqu’il est arrivé, j’étais là depuis un moment et mon estomac criait famine. Entre serrer la main d’un homme super occupé et manger, j’avais mon choix ! On ne se refait pas (la preuve ici).
Quoi qu’il en soit, à l’intérieur de l’espace Beaurepaire situé au 28 rue Beaurepaire dans le 10^e arrondissement de Paris abrite aujourd’hui 40 photographies sélectionnées dans le cadre du concours photo Transmettre.

Voilà un thème qui n’est pas bien évident. Transmettre, transmettre… Les thématiques exposées reprennent énormément le motif des mains qui se touchent. Et s’il y a une valeur intergénérationnelle ou même interraciale, c’est bingo. Les images n’en sont pas moins très belles et certaines valent bien un petit détour.

Pages du catalogue de l’expositions – source

Pages du catalogue de l’exposition – source

Quelques clichés réalisés par Yann Arthus-Bertrand sont également présents.

Voilà donc une idée de sortie au cas où vous en manquiez. Mais je vous préviens, il faut entre autres aimer les bébés, les gros plans de mains, et les photos de petits vieux.

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Avec ce soleil nouveau, je ne devais pas être la seule à avoir trop chaud sous mon manteau, il me fallait donc un petite leçon de mode.

La haute couture exclusivement féminine

La mode, ce n’est apparemment fait que pour les femmes. Du moins la haute couture ne semble s’être intéressée qu’aux silhouettes féminines.
Fort heureusement, le contenu des salles de l’Hôtel de Ville se rattrape bien grâce à de superbes pièces de collection qui ne manquent pas d’émerveiller et de rappeler qu’effectivement, la mode, c’est technique.

Allume la lumière, Marcel !

J’ai toujours un problème avec la lumière dans les expositions, sûrement car je ne suis pas loin d’être une belle mégère. Pourtant ce n’était pas évident d’apprécier les robes en étant ainsi dans une franche pénombre et sans éclairage au plafond. Je ne sais pas s’il y a une solution parfaite, mais il est certain que voir dans le noir, ce n’est pas évident.
Les vues d’expositions que je trouve pourtant en ligne semble beaucoup plus éclairées. :/

À voir

À ne pas rater sur place, il faut absolument voir et admirer les croquis. C’est absolument fascinant et c’est une belle approche dans l’univers et les coulisses des ateliers. Vous pourrez également voir des photographies et des morceaux de vidéos où on voit les artisans au travail.

Ne passez pas à côté non plus des tailleurs Chanel, pièces emblématiques, ainsi que des robes des années qui 20 qui sont, en ce qui me concerne, mes favorites.

Pour de très belles expositions sur la mode, je vous conseiller de faire un tour si vous en avez le temps par le musée des Arts Décoratifs qui dispose d’une section dédiée à cette discipline ainsi qu’une très belle salle sur la bijouterie. Il y a d’ailleurs en ce moment même et jusqu’au 14 avril l’exposition Fashioning Fashion, Deux siècles de mode européenne 1700-1915.
Plus de renseignements par ici.

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C’est bon pour le planning

Réserver ses entrées pour une exposition est une de mes combines contre moi-même pour ne pas procrastiner et finalement ne jamais y aller. L’avantage d’avoir payé à l’avance et d’avoir défini une date et une heure précise pour y aller, c’est qu’on n’a pas le choix sinon ce serait insulter toutes ces personnes qui n’ont ni l’argent ni le temps d’avoir des activités culturelles de ce genre.
Enfin, il y a aussi ceux qui n’en ont rien à faire mais c’est une autre affaire.
En tous les cas, il est assez courant que je réserve dès la mise en place de la billetterie en ligne afin d’être sûre d’y aller.
Je me rappelle ce dimanche ensoleilée, dernier jour de l’exposition Jean-Michel Basquiat au musée des arts modernes de la ville de Paris. J’étais si bien sous ma couette, et je n’y suis pas allée. Il faut dire qu’avoir avec moi quelqu’un qui n’était pas très motivé pour m’accompagner ne m’a jamais aidée à me bouger non plus.

Des billetteries en ligne comme celle du RMN Grand Palais ouvrent les ventes pour des expositions trèèèèèèèèèèès à l’avance. Pour le coup, c’est aussi un risque pour oublier. De mon côté j’utilise beaucoup un Google Calendar et ses fonctions de rappels. Mais bon, comme je ne suis pas bien douée…
Comme la fois en allant au cinéma où on m’a demandé « tu n’avais pas une soirée où t’étais invitée pour une expo ? »… ah oui, c’est vrai.

Des billets plus chers pour des frais de gestion

Lisez très attentivement les conditions de réservation. Ce n’est pas qu’un service bien pratique, c’est aussi tout un business. Il est ainsi courant qu’il y ait une majoration sur les billets à imprimer soi-même. Ne négligez pas l’heure à laquelle vous réservez, les billets réservés permettent souvent un accès coupe-fil et de ce fait disposent d’une date et d’une heure d’entrée bien précise surtout pour les expositions très fréquentés. Passés un certain délai (souvent 30 minutes ou une heure), le billet n’est plus valable.
Donc si comme moi vous aimez avoir un billet acheté d’avance pour faire des expositions après le bureau en ne faisant pas la queue, prévoyez le temps de trajet pour ne pas risquer de vous retrouver avec un billet non valable.

Cela ne garantit pas toujours de ne pas faire la queue

Si on se débrouille bien et qu’on a du temps devant soi, avec une peu de chance on arrive en semaine de bonne heure (ou à la pause déjeuner) et on est bien tranquille dans les expositions. Seulement, même si on connait les bonnes astuces ce n’est pas toujours bien évident d’en profiter.
Les billets coupe-fils semblent alors être une belle aubaine pour narguer toute la plèbe moins maligne que nous ou qui n’est juste pas aussi stressée. Seulement, il peut arriver lors des expo très attendues et très fréquentées que tout le monde ait tellement eu envie d’être malin que la file d’attente sans réservation soit beaucoup plus courte.
En revanche, selon le musée ou la galerie, il y a réellement des files d’attentes spécifiques pour ceux qui ont déjà leur entrée. Je pense notamment au musée du Louvre et au fameux Passage Richelieu entre la cour Richelieu et la cour Marly (ouais genre je connais un peu). Il y a là une petite entrée pour les groupes et les personnes qui ont déjà leurs billets. Cela évite de passer par la Pyramide ou par le Carrousel (au sous-sol). Néanmoins, l’entrée par le Carrousel peut être un bon plan aussi selon l’affluence.

Il y a d’autres endroits où une réservation est une notion de survie élémentaire. C’est le cas pour la plupart des expo du Grand Palais. Là, prendre une réservation est un peu comme prendre rendez-vous chez le dentiste. On arrive, on dit qu’on est là, et on attend un peu. Il faut donc souvent arriver avant l’heure de sa réservation pour être là lorsque c’est son tour d’entrée. Ce fut le cas pour l’exposition Monet de 2010 (superbe expo), et ce fut admirablement bien géré.

Réserver oui, mais le billet imprimable est-il vraiment un avantage ?

Le billet imprimable ou e-billet (alors que c’est sur papier) est une forme de service offert pour faire croire aux clients que c’est beaucoup plus pratique. Seulement on imprime avec son propre papier, sa propre imprimante, on commande avec son ordinateur, son clavier et pire… on tape soi-même sur le clavier !
C’est un peu le Do It Yourself (beaucoup moins sexy que les images sur Pinterest) de la billetterie de spectacles. Seulement cela coûte plus cher et en plus de cela, on ne peut pas avoir de joli billet à coller sur la porte de ses toilettes pour faire croire qu’on est culturé.

Ma solution est donc de commander et de profiter d’un petit détour pour aller chercher rapidement ma place. La file d’attente pour les billets déjà achetés est toujours à part et globalement beaucoup plus courte que pour la billetterie classique. Ainsi j’ai ma réservation, mon beau billet et je peux profiter de la ville aux 130 musées.

Billet non sponsorisé par la FNAC, je n’y peux rien s’ils sont partout, et pour une fois que je ne parle pas d’Amazon.

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À côté de cette bestiole, Dolly n’est qu’une petite joueuse. Le magazine Het Leven (Pays-Bas) n’a pas hésité à annoncé le 1er Avril 1932 l’existence de ce bovin d’exception : une vache à tête d’éléphant. Mais elle existe réellement, puisqu’on peut même la traire !

Trois année plus tard, le Het Leven récidive avec une photo détaillant ce nouveau modèle de train dont le curieux compartiment est équipé pour la très grande vitesse. Ce photomontage fut alors réalisé grâce à une maquette de train.

Mais les prouesse technologiques ne se font pas attendre dans les années 20. Un journal allemand à la recherche de sensation forte montre alors sur une splendide photographique d’époque un vélo volant. Bien entendu, il s’agit d’un photomontage.

Mais comme je suis plutôt fair play, voici une photo moins réussie paru dans le Het Leven en 1914. Il fallait bien commencer !

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Quoi qu’il en soit, je ne vais pas me laisser avoir par le timing imposé par 5 semaines de congés annuels. Si l’Allemagne ne vient pas à moi, je vais tenter d’en avoir quelques morceaux ici.

Lire

Pour lire dans la langue de Goethe, il est assez facile de se fournir en journaux en allemand. Pour ma part, je prends de temps à autre le Frankfurt Allgemeine qui est une espèce de Herald Tribune à la sauce currywurst. Pour le reste, la librairie Marissal Bücher situé à gauche du Centre Georges Pompidou (42 rue Rambuteau, 75003 PARIS) fera votre bonheur. 

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Manger

Parmi les choses qui m’ont marqué pendant ma courte escapade berlinoise, c’est la richesse du choix disponible en terme de street food. C’est un mode de restauration absolument fabuleux qui va au-delà de la simple baraque à frites. Et pour découvrir quelques uns de ces mets, faisons un détour par Le Stube. Les spécialités allemandes salées et sucrées sont à portée de main avec bien entendu la très célèbre curry wurst.
Le Stube est donc un petit restaurant non loin du Louvre rue de Richelieu, on peut déguster sur place ou à emporter. Mais s’il faut beau, profitez en pour déjeuner dans le Jardin des Tuileries pour vous rapprocher de l’exposition De l’Allemagne, 1800-1939.

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Voir

Le musée du Louvre (2 Place Carrousel, 75001 PARIS) accueille ce printemps l’exposition De l’Allemagne, 1800-1939 de Friedrich Beckham. Près de 200 oeuvres replacées dans leurs contexte permettent d’approcher presqu’un siècle et demi d’art et de mouvements intellectuels germanophones. C’est très certainement une des grandes expositions parisiennes à voir ce printemps si vous passez par là.

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Et s’il vous reste du temps, vous pouvez également passer par le Goethe institut (17 avenue d’Iéna, 75116 PARIS) pour voir l’exposition de dessin Berlin-Paris-Beyrouth, la ville et ses frontières installée à l’occasion du Comic transfer.

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Sans indication, sans titre, sans rien, il s’agit d’une grand affiche horizontale découpée par des motifs verticaux irréguliers. Je la regarde de plus près et cherche à reconnaître une forme ou une lettre qui aurait été dessinée pour être vue après le second coup d’oeil. Mais rien, il n’y a rien sur cette affiche hormis ces bandes de couleurs. Et là, en coin inférieur droit, je reconnais le logo tout neuf de la Réunion des musées nationaux Grand Palais.

Institution muséale née récemment de la fusion entre RMN et le Grand Palais, la communication s’est vu attribuée un très habile et somptueux lifting qui semble visiblement fonctionner auprès de la cible visée.

J’ai recherché un peu d’où pouvait venir cette image, et je n’ai trouvé qu’une pâle ressemblance avec la couverture du programme de la saison.

La nouvelle charte graphique de RMN Grand Palais est bien à la hauteur de l’institution qu’elle représente. La démarche créative est d’ailleurs décrite dans le numéro 210 du magazine Etapes. Je vous conseille vivement de consulter ce numéro en bibliothèque ou ailleurs si vous en avez l’occasion.

Avec une typographie faites de points qui varient selon la lettre, cette charte graphique permet notamment de produire cette très belle affiche pour l’exposition Boheme qui a été pendant plusieurs semaines une jolie constellation pour éclairer les couloirs de notre métro parisien pas toujours très accueillant.

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Diane, jeune mère, perd son mari Colin et sa fille Clara lors d’un accident de voiture dont elle était absente. Pendant une année, elle vit recluse chez elle en tentant vainement de s’imprégner des traces de vie de sa famille : le pull de Colin, le shampoing de Clara… Diane fume beaucoup et se nourrit à peine et si Felix – avec qui un café littéraire rue vieille-du-temple qu’elle délaisse maintenant - ne venait pas lui rendre quotidiennement visite, alors elle ferait certainement encore moins choses. Les sentiments simples de Diane, sans théâtralité et d’un crédibilité évidente, ont eu raison de mon âme sensible. Chaque page fut douloureuse à tourner car je ne voulais pas m’identifier à cette femme qui souffrait tant de la perte de son mari et de son enfant.

J’ai pourtant tenu bon, me disant qu’elle allait bien s’en sortir cette Diane ! Pour tenter de reconstruire sa vie, Diane décide de partir vivre en Irlande.

Je ne sais pas encore si nous sommes entre le récit de la reconstruction ou bien une romance un peu usée. J’imagine très bien une histoire de ce type dans un téléfilm. Mais bien que la trame soit prévisible, l’écriture de son auteur comble sans peine ce handicap pour offrir l’histoire simple et d’une personne à qui on s’identifie volontier tant ses réactions sont sincères.

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Il y a de ces rencontres qui sont fascinantes au point d’en être presque malsaines si elles ne le deviennent pas naturellement. On se risque à la folie et au danger pour cette rencontre, car elle a quelque chose de fantastique qu’on n’ose nommer. C’est terriblement mauvais pour le coeur et pour les nerfs, mais c’est irresistible. Mais comme toute chose plus ou moins intense, cela a une fin et il faut s’y faire. Pourtant, j’attends toujours qu’on m’emmène au Pays imaginaire.

***

Je me suis placée derrière une vitre pour attendre. C’est un rituel. Je ne jamais trop su ce que j’attendais mais quelque chose me dit que c’est le meilleur endroit pour le voir arriver. Ne pouvant me contenter de l’attendre gentiment à l’intérieur, je me place toujours près d’une vitre en espérant pouvoir l’apercevoir plus loin et me préparer à son entrée. Bien-sûr, lorsqu’il entrera, je feinterai de n’avoir rien vu. Lui, c’est cet élément qui changera la journée ou bien le cours de la vie. Placée derrière ma vitre, celle d’un café fréquenté, celle d’un bistrot de quartier, ou encore celle d’un salon de thé, je regarde le monde derrière une vitre et j’attends.

Lors de ces moments, il ne se passe souvent pas grand chose ou même rien du tout. Je sais très bien que personne ne viendra, et je sais pertinemment que personne ne me parlera. Assise sur mon fauteuil et le regard tourné vers la vitre, je me ferme machinalement au reste de la salle en prenant soin d’exhiber un carnet ou un livre pour signifier que je suis occupée.

Mes sens sont pourtant en éveil. Je guette une odeur qui pourrait m’être familière, ou une silhouette que je reconnaîtrais sans aucune hésitation. Mon ouïe cherche une voix à laquelle je pourrais répondre et mettre fin à ce moment de solitude pourtant si curatif. Mais c’est évident et je le sais par avance, il ne se passera rien.

Je continuerai à aller là, derrière cette vitre pour attendre, et mimer de n’être qu’une personne regardant les gens passer. J’y passerai une heure, deux heures, c’est comme un rendez-vous imaginaire avec un quelqu’un qui ne viendra jamais. Et comme à chaque fois, je partirai avec un sentiment où se mêle frustration et satisfaction. C’est tout de même agréable d’être seule.

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Ces carnets ont un format de 7*9 cm, pour 48 pages. Pour cette taille de carnet, il faut 12 feuilles de 7*9 cm et la couverture qui doit elle mesurer 8*9 cm afin de supporter l’épaisseur.

Le principe que j’utilise pour faire mes couverture est simple. Il s’agit tout simplement de collage sur une planche que je conçois à l’avance. Chaque collage fait exactement la taille d’une couverture, tout est à échelle 1 car je suis nulle en conversion sur la photocopieuse.

Ensuite il faut procéder à une photocopie couleur sur le papier de votre choix. Pour ma part, j’ai opté pour du 90 g/m² pour les pages intérieures et 260 m² pour la couverture. Le choix d’utiliser cette manière de faire vient de mon envie de bricoler et de toucher les couleurs que je manipule. L’appréhension des matières est assez importante pour moi et je retire peu de plaisir à faire des exploits avec un logiciel comme Photoshop ou The Gimp.

De la même manière, je ne supporte pas la frustration de ne pas savoir réellement utiliser ces softs quand je sais que j’irai tellement plus vite avec un cutter, des feutres, un crayons et de la colle. :D

Enfin la photocopieuse va quant à elle me permettre de lisser le rendu. Ici mes couvertures sont assez simple. J’ai surtout chercher à tester mon principe et voir le rendu que je pouvais obtenir une fois un carnet terminé.

Et je suis assez contente de moi. :-)

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Peu présent à l’heure actuelle dans les productions des studios Walt Disney, il domine cependant les bandes dessinées notamment présentes dans Le Journal de Mickey où tous ses acolytes le rejoignent. Et n’oublions pas qu’il reste la super star des parcs d’attraction de Disney pour demeurer l’ambassadeur de toute l’enseigne.

Muni de son pantalon rouge à boutons (ou blanc selon la version), de ses grosses chaussures et de ses gants blancs, Mickey vit à la fois des aventures extraordinaires et des aventures quotidiennes. Tantôt détective, tantôt aventurier, mon Mickey préféré est sans doute l’apprenti sorcier de Fantasia (1940). C’est sous ce costume avec son célèbre chapeau bleu à motifs qu’on le voit au début des VHS des Classiques de Disney (chacun son époque).

Le personnage a évolué. Et comme toute vedette de fiction qui se respecte, il a été décliné sous toutes les formes afin de satisfaire la demande.

Jouets, peluches, affiches, posters, autocollants… c’est l’invasion ! J’admets avoir moi-même très longtemps possédé une petite peluche Mickey que ceux qui ont déjà vu des photos de moi bébé connaissent certainement.

En tous les cas, il est impossible de reprocher à la souris sa timidité et elle n’a alors rien à envier à la très spectaculaire Super Souris (Mighty Mouse).

À 85 ans, et après tant d’aventure, je ne suis pas certaine qu’il soit proche de la retraite bien qu’il se fasse plus rare au cinéma. Les enfants l’aiment toujours autant et le retrouvent alors à la télévision ainsi que dans la presse jeunesse.

Au passage, les histoires du Journal de Mickey sont de moins en moins bonnes. En revanche, le Super Picsou Géant semble rester une valeur sûre ! Dans les deux cas on retrouve les Castor Junior, alors c’est au final une question de goût.

source

Ils l’ont fait avec Martine et Oui-Oui, alors pourquoi pas Mickey… les années 2010 sont celles de la conversion en fiction 3D.

C’est la série La maison de Mickey qui donne le ton avec une mise en scène qui s’essaie à ce que j’appelle l’interactivité muette comme le ferait Dora l’exploratrice.

1. Question du personnage.
2. Temps de silence.
3. Enfant qui répond peut-être.
4. L’histoire continue.

C’est peut-être une des choses les plus abrutissantes que d’apprendre à parler à un écran. L’avantage est sans doute le fait que ce ne sera pas la peine d’expliquer FaceTime ou Skype à l’enfant. Heureusement, les enfants sont bien moins bêtes qu’on ne le pense et peuvent la différence entre fiction et réalité… mais à surveiller quand même. ;p

Pendant ce temps, Moleskine toujours à la page (oh oh!) décide d’éditer une série de carnets en l’honneur du 85e anniversaire de Mickey Mouse avec des tutoriels pour dessiner la souris de Disney.

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A Yalta, Février 1945

La vision qu’on a de Staline est plurielle. Tandis que la Russie contemporaine retient le bâtisseur et le leader contre les nazis, le bloc de l’Ouest a en tête le régime soviétique sous ses plus mauvais aspects de la surveillance de son voisin aux camps de travail (goulag) de Sibérie.

L’ambivalence du personnage et l’icône qu’il représente est une merveilleuse porte vers le détournement. Ce vieux papy bedonnant à la moustache et fumeur de pipe se trouve être le Babar de l’histoire de la guerre froide. À la fois leader et grand-père de toute la nation soviétique, la personnalité politique est devenue de fait un personnage.

C’est forcément ce qui arrive lorsqu’on joue de sa propre image dans toute la propagande soviétique afin de devenir non seulement un leader mais aussi un symbole. Le culte de la personnalité enlève alors toute humanité jusqu’à une glorification qu’on retient à travers les années.

Ne soyons donc pas étonnés de voir des détournements tels que le superbe jeu-vidéo Stalin vs. Martians.

Gauche : Affiche originale
Droite : Reprise pour le jeu Stalin vs. Martians

La bonne recette pour devenir une icône pour tout un peuple est simple. Faîtes afficher partout de grandes images de vous où tout le monde vous regarde et suit votre exemple avec le sourire. Si vous n’avez pas assez de budget (ou la flemme) pour mettre en scène ces centaines de personnes, adopter alors un cadrage resserré avec une vue en contre-plongée. Les personnages présentés devront être embellis et impeccables afin de devenir de réel modèles moraux.

En ce sens, l’affiche du prochain film Hunger Games est très bien faite. Cela ne vous donne pas envie d’un peu de patriotisme ?

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C’était facile de me reconnaître. J’avais mon appareil photo en main et je contorsionnais dans des positions saugrenues pour amener de beaux visuels (souvent un échec) et je prenais toujours des notes. Il me fallait trouver un angle, quelque chose à dire. Mes seuls énervements vis-à-vis de l’organisation de ces rencontres n’était jamais dû à la qualité du buffet, mais plutôt à l’absence de dossier et d’informations pouvant m’en dire plus sur ce qui se passait là.

En mon sens, le meilleur moment que j’ai pu passer pour ce genre d’occasion fut le vernissage de l’exposition QuickLab. Contact parfait, échange enrichissant, et RP toujours à me demande si j’avais les informations que je désirais, si je ne voulais pas être présentée à quelqu’un de présents.
Tandis que si on me lâche dans une foule au milieu de petits-fours sans personne à qui poser des questions, j’en ressors non seulement déçue mais également particulièrement nerveuse de frustration. Les personnes m’ayant déjà vu dans cet état pourront dire que ce n’est pas bien joli à voir.

Pour moi, la soirée blogueur ne doit pas être un prétexte pour m’intéresser à quelque chose. Cela peut me donner une porte d’entrée pour découvrir de nouvelles choses, en revanche je refuse de me forcer. Ce n’est pas éthique ou par quelconque pseudo déontologie, mais cela me fait juste particulièrement chier. On n’ouvre pas un blog perso pour parler de chose qu’on aime si c’est pour s’intéresser à des choses sur lesquelles on n’a rien à écrire.

Bien-sûr c’est génial d’aller à des soirées où tu es invitée, cela flatte, on se sent un peu important. Bien entendu j’ai adoré remporter les Golden Blog Awards, et j’ai absolument pris mon pied à LeWeb cet hiver. Ce serait plutôt insultant et hypocrite de dire que ce n’est pas absolument génial d’avoir quelques privilèges.

Novembre 2011, sage avec mon badge GBA que j’avais oublié d’enlever.

I was there

Alors parfois, souvent même, je reçois un communiqué de presse ou une invitation et je n’y vais pas toujours. Je préfère me déplacer par moi-même le jour que je veux et à l’heure que je veux pour mieux profiter des choses. C’est pour moi beaucoup plus enrichissant.

Il y a près de deux ans, j’étais allée à l’exposition Bulgari au Grand Palais et mon billet parlait alors de la très belle scénographie conçue par Fabien Iliou. Quelques jours plus tard, Fabien Iliou m’invitait à le rencontrer et me montra ses futurs projets pour me remercier. Voilà pour moi la réelle récompense que peut m’apporter ce blog que je dois monétiser à hauteur de 30 euro par an en moyenne. Je suis payée en rencontres, en conversations, en échange.

Dit comme cela, je suppose que cela peut paraître un peu idéaliste voir même complètement con.

Mais pour revenir à cette histoire de soirées pour blogueurs, ou ces « events » comme disent les influentes… si le contenu en terme d’informations et de rencontres avec les gens concernés par le sujet ne m’est pas satisfaisant, j’ai une forte tendance à adopter une position de frustration défensive. Sachez le, c’est assez terrible d’être jetée au milieu des influents et des gens qui ont 3 soirées de ce genre par mois au minimum. Tout le monde se connaît, se fait la bise et demande des nouvelles de la famille de l’autre. Au milieu, je suis paumée à dire que j’ai un blog qui s’appelle Ecribouille.net et qui parle de culture graphique et numérique. C’est trop intello, ce n’est pas assez mondain, cela n’intéresse personne si je suis une spécialiste de la fabrication de déchet numérique dans le Web, sauf peut-être Fred Cavazza.

Tant que je suis occupée et que je peux faire la fille sage qui prend des notes, tout va bien, sinon je serai dans mon coin à essayer de choisir dans quelle groupe je pourrais bien m’insérer ce qui débouche presque toujours par un échec monumental. Oui, dans la vraie vie je suis plutôt une timide gourdasse et qui parle fort sans faire exprès.

Ce n’est pas une coupe de champagne qui va me faire oublier que c’était chiant, sans rien de nouveau à raconter, et qu’il s’agissait d’un moment où ton ROI détermine l’intérêt que tu peux avoir en conversation. Ta venue a été pensée, et elle fait partie d’un certain investissement dont l’impact sera mesuré pour faire l’objet de rapports avec de beaux chiffres. C’est le jeu, Lucette.

Pour résumer ces quelques 700 mots : j’adore qu’on me montre des choses intéressantes et rencontrer de nouvelles personnes, mais je n’aime pas attendre que le temps passe avec un macaron au bout des doigts.

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Il y a aussi les personnes qui font leur propre CMS pour leur usage personnel, mais ces gens là sont des hipsters du Web avant que ce ne soit cool.
Je suppose que c’est en quelque sorte pour répondre à un besoin de retour vers une solution simplifié et évidente qu’InfiniCMS a été créé.

Trois solutions existent :

• site,
• blog,
• site + blog.

Ce n’est ni plus ni moins que ce qui est indiqué sur l’emballage.

J’ai apprécié :

• la navigation parfaitement intuitive et sans ambiguïté
• pouvoir paramétrer ses emails avec son nom de domaine,
• la fonctionnalité de traitement d’une image avant son insertion,
• la gestion simplifiée des codes pour suivre les statistiques de son site,
• la documentation PDF jointe et toujours accessible,
• la gestion simplifiée des publicités.

En quelques sortes, ce sont toutes ces petites choses qui peuvent paraître compliquées et pour lesquelles je reçois des coups de fil de clients. Ici InfiniCMS est le produit pour les personnes peu initiées mais qui ne veulent pas pour autant investir dans des solutions aux échelles démentielles.

Pour ma part, ce n’est peut-être pas assez compliqué pour moi :D. Mais c’est mon côté bidouilleuse qui parle, tout casser pour tout refaire, c’est drôle non (ou presque) ? Bien entendu, InfiniCMS, comme tous les CMS, a ses limites, et comme chacun, il est destiné à un certain usage. Si tu es éditeur d’un très grand volume de contenus, ou si tu sais déjà qu’il te faut gérer 500 pages autour de ton activité, je ne suis pas sûre que cela soit fait pour toi.

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Kesennuma, préfecture de Miyagi, Japon

Avec un peu de JavaScript, ce qui aurait pu être un banal défilé de photographie devient alors un véritable objet interactif. Habilement, la mise en forme permet de comprendre avant-après et c’est de manière absolument instinctive qu’on lit les images.

Aussi, cet article rappelle-t-il le rôle de la photographie de presse en tant qu’enregistrement pour garder en mémoire les traces de ce qui a été et de ce qui est. L’image n’est pour autant pas figé et demande une interprétation et une mise en scène. Ainsi ces mêmes photos mises dans une galerie n’aurait pas le même impact car le contexte serait bien différent.

Ici la confrontation de deux instants permet alors de montrer à quel point le tremblement de terre a été néfaste mais aussi à quel point le Japon se relève de ses épreuves pour entamer une reconstruction.

Vue de Ishinomaki, préfecture de Miyagi

> Voir la page du LA Times : Japan earthquake and tsunami: Before and after the cleanup

Merci Peccadille pour la suggestion d’article. :-)

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La thématique de cette édition est intitulée L’empathie ou l’expérience des autres. J’admets être réellement déçue de ne pas pouvoir assister aux conférences et voir les expositions. Je me contenterai des comptes-rendus des autres.

En revanche, voici la sélection de ce que je serais allée voir si je n’avais pas mis tous mes congés dans l’Eurovision, et si j’avais d’excellentes chaussures.

L’empathie (du grec ancien ἐν, dans, à l’intérieur et πάθoς, souffrance, ce qui est éprouvé) est une notion désignant la « compréhension » des sentiments et des émotionsd’un autre individu voire, dans un sens plus général, de ses états non-émotionnels, comme ses croyances (il est alors plus spécifiquement question d’« empathie cognitive »). Cette compréhension se produit par un décentrement de la personne (ou de l’animal) et peut mener à des actions liées à la survie du sujet visé par l’empathie, indépendamment, et parfois même au détriment, des intérêts du sujet ressentant l’empathie. En langage courant, ce phénomène est souvent rendu par l’expression « se mettre à la place de » l’autre.

Définition Wikipédia

Mais que peut bien faire l’empathie dans le domaine du design ? Beaucoup de chose, et c’est peut-être même fondamental. La conception d’un objet ou d’un espace est constamment pensé vers une forme destinée à un usage et à un enjeu définis. Les démarches de création sont alors empreinte d’empathie dans leurs méthodes et leurs évolutions.

• Exposition Les Androïdes rêvent-ils de cochons électriques ? 
• Exposition Type in process
• Exposition Charlotte Perriand et le Japon
• Exposition In the Mood for Ikea
• Expérimentation Le design culinaire à l’épreuve de nos sens
• Exposition Design bande dessinée
• Exposition Design et vélos

Pour faire joli, je m’arrête à 7 expositions qui correspondent aux 7 jours théoriques pour que mes jambes s’en remettent. En ce qui concerne les conférences, j’ai envie de dire… toutes ?

Si vous avez la chance et le bonheur de pouvoir aller à la Biennale Internationale Design de Saint-Etienne, faite le moi savoir. Je vous donnerai mon pass pour la soirée d’inauguration et vous aurez en échange le devoir de me dire comment c’était afin de me rendre terriblement jalouse.

Charlotte Perriand et le Japon – Exposition Tokyo 1941

In the mood for IKEA, Band sow chair, chaises. Designer : Alban Le Henri. Crédit photo :
IKEA, dr

Les Androïdes rêvent-ils de cochons électriques ? – Eric Daru, HumanOx: transport alternatif & modulable pour les animaux
d’élevage. En mode transhumance: transport d’animaux vivants vers les pâtures, ©
Eric Daru Design

Les Androïdes rêvent-ils de cochons électriques ? – Aurélie Eckenschwiller, Microdomus, photomontage © Aurélie Eckenschwiller

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Le Maître et Marguerite est désigné comme étant le chef-d’oeuvre de Mikhaïl Boulgakov. Fini après son décès par sa femme à partir des manuscrits et des travaux de l’auteur. J’aime à penser que le personnage du Maître serait un double de Boulgakov. Tourmenté par l’écriture de son roman sur Ponce Pilate, le Maître brûle son manuscrit comme Boulgakov a brûlé lui-même le sien dans une poêle. Mais bien que le Maître et Marguerite soient les personnages principaux de ce roman, ce dont on ne doute pas lorsqu’on l’a lu en entier, ce ne sont pourtant peut-être pas les plus intéressants.

Sculpture de Béhémoth à Kiev

Nous sommes à Moscou sous le régime soviétique. La haute société littéraire est symbolisé par le prestigieux Massolit qu’on décrira comme une sorte de club pour auteur de talents ou pas. Nous sommes alors dans une société profondément athée, absolument communiste et tout à fait normée. Rencontrer Satan en personne dans un café et lui affirmer, sans connaître l’identité de l’interlocuteur, que le diable n’existe certainement pas est alors la première des erreurs et c’est elle qui va lancer l’histoire. L’arrivée de Satan et de ses acolytes dont le gros chat Béhémoth n’est pas sans me rappeler les personnages de Pratchett et Gaiman.

La capitale et ses habitants ne s’en sortent pas indemnes et on n’oublie jamais qu’il s’agit là de la bourgeoisie moscovite et bien patriote. Partout où les complices de Satan passent, des petits drames arrivent que je préfère mettre sur le compte de leurs bêtises plutôt que d’une quelconque méchanceté. C’est pourtant grâce à l’intervention de ces figures surnaturels dans un environnement plus que pragmatique que Le Maître (enfermé dans un hôpital psychiatrique) et que Marguerite (femme mariée malheureuse et amoureuse du Maître) vont réussir à se retrouver.

Le récit parallèle de la rencontre de Ponce Pilate et de Yeshoua – celui qu’on appelera par la suite Jésus – est alors loin de figurer en tant qu’aparté ennuyeuse. C’est peut-être avec un peu de frustration qu’on passe d’un récit à l’autre bien qu’ils ne s’enchaînent parfaitement.

Je ne suis pas déçue d’avoir eu l’idée de reprendre la lecture de ce roman. Il vous fera passer un excellent de moment, vous instruira un peu, et vous permettra ensuite de faire croire aux autres que vous êtes un intellectuel qui lit de la littérature russe. Pour les lecteurs d’ebooks, Le Maître et Marguerite est disponible gratuitement par ici mais si vous préférez dépenser un peu de sous c’est par là pour 1,99 € (ici). Pour les autres, un tour chez le libraire ou par là devrait faire l’affaire !

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Dans un atelier, les objets muets et animés vivent leur propre vie. Par accident, certains s’échappent de leur boîte et il faut les rassembler. Les dialogues sont présentés à la manière des films muets qui tranche avec la haute définition et la qualité des images.

MECHANIC POEMS from Ronny Traufeller on Vimeo.

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Diffusé en direct dans toutes l’Europe, ce concours de chant est une forme de Jeux Olympiques annuelle de la musique de variété qui n’a rien à envier au Hit Machine ou à La Chance aux chansons.
Quelque part, Le Grand Prix Eurovision de la Chanson, avec ses synthétiseurs jamais branchés et ses chorégraphies spectaculaires, c’est magique.

Tous les ans, je me cache pour visionner tous les enregistrements des concurrents de chaque pays pour faire les paris avec moi-même. J’aime regarder les stratégies de chacun, car c’est quelque part une belle leçon de marketing.
On pourrait par exemple faire une étude précise sur le nombre de points acquis lors du concours par rapport à la longueur (ou l’inverse) de la jupe. C’est ainsi que l’an dernier que la candidate grecque Eleftheria Eleftheriou illustra avec brio la loi de plus je suis bonne plus je peux gagner en terminant 7^e avec le titre Aphrodisiac. Anggun et sa culotte dorée ne pouvaient pas lutter.
J’espère que vous n’êtes pas chez Free car il s’agit d’une paire de jambes qui mérite bien 720 p.

Et alors que je pourrais rester tranquillement chez moi devant la télévision ou tenter de nouveau une aventure dans le « dispositif social media France Télévisions », j’ai décidé que j’allais prendre l’avion pour Malmö.
En revanche cela coûte tout de même la peau des fesses pour assister au spectacle, alors su France Télé passe par là et qu’il lui reste 2 accreditations pour fans, qu’il pense à moi et à doucemiseenscene !

Tout cela demeure tout de même un excellent prétexte de partir en voyage, même si c’est un voyage qu’il faut un peu justifier. Étrangement, on ne me croit jamais quand je dis que je veux aller en Suède pour voir l’Eurovision. Il y a bien des gens qui prennent l’avion pour voir de l’athlétisme ou du foot, pourquoi pas l’Eurovision ?

Malmö, source

C’est aussi une excellente occasion de pouvoir visiter du beau pays qu’on ne choisit pas forcément en premier lieu pour ses vacances. Et j’admets que je suis très heureuse de saisir l’opportunité de visiter Malmö et Copenhague.
Pour la petite histoire, j’ai pour intention de prendre un vol pour Copenhague qui est à 20 minutes en train de Malmö. Je pourrais par conséquent passer quelques jours dans les deux villes, et d’après mes maigres connaissances en jeux vidéo, je crois qu’on appelle ça un mega combo.

Copenhague, source

Comme pour mon voyage à Berlin, je sens que je vais opter pour les chambres d’hôtes Air BNB car de toute façon il n’y aura pas beaucoup d’hôtels disponibles.
Mais trois mois, cela passe vite, et il ne va pas falloir tarder à tout organiser. Alors en attendant que tout soit bouclé, je vais apprendre par coeur les guides de voyage.

> Office du tourisme Malmö
> Site de l’Eurovision
> Mon profil fane !

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C’est finalement en autodidacte que j’ai apprécié ce loisir devenu quotidien. Cela a beaucoup facilité les choses lorsque je suis entrée dans une prépa d’arts-appliqués (« ratée ») car j’avais déjà des habitues de crayonnages réguliers. Pourtant, tout ce que je faisais était souvent sur des feuilles volantes qui se perdaient et qui finissaient dans des pochettes que j’ouvre une fois par an. J’ai alors découvert ce sublime support qu’est le carnet. Bien qu’en possédant déjà, je ne savais pas trop quoi en faire. Parfois il semble trop beau pour que je n’ose réellement y toucher.

Alors comme pour tout sport, il faut se forcer un peu au début, et puis l’entraînement douloureux et forcé finit par devenir une habitude naturelle. Debout, assise, appuyée contre une porte, avoir trois minutes pour griffonner est toujours possible.

C’est ainsi que chaque jour, sur un trajet de trois arrêts de métro, je me donne la consigne de faire au moins un croquis. Il faut aller à l’essentiel et vite. Trois arrêts de métro, c’est le temps que je m’autorise pour terminer de saisir une silhouette, mais c’est aussi le temps qu’il faut avant de se faire repérer !

L’autre intérêt est aussi de vaincre petit à petit sa timidité pour dessiner en public. Le faire dans les musées devant une nuée de touriste qui me prend en photo – parce qu’une personne qui dessine dans le Louvre c’est cool à montrer – mais cela demeure tout de même une hésitation qu’il est difficile à vaincre.
L’habitude de se faire noter sur ses réalisations n’aide pas.

C’est donc sans grand complexe que je réussis maintenant à sortir un carnet et quelques crayons de mon sac dans les cafés, et pourquoi pas dans le parc. Enfin tout de même, la prochaine fois que j’annonce que je vais dessiner aux Tuileries alors qu’il neige, vous pourriez m’en empêcher : j’ai eu super froid.

La ligne n’est pas optimale, quand ça bouge beaucoup, voilà ce que ça donne : 

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Page d’accueil de Mouchette.org

Mouchette a 13 ans, ou presque, et elle vit à Amsterdam. C’est en entendant son rire enjoué de jeune adolescente qu’on découvre d’abord son site qui évoque un journal intime numérique dans lequel l’artiste derrière ces pages expérimente les modes d’expressions et de langages qu’offrent les technologies du Web. La navigation n’est jamais la même et il s’agit de fouiller de lien en lien la vie de Mouchette qui devient alors de plus en plus dépressive. Les rires se transforment en pleurs et ce n’est pas bien évident de tout suivre.

Lullaby for a dead fly

Non conventionnel, le site raconte pourtant bien une histoire en exploitant comme il le peut les outils qu’il a sa disposition. Il s’agit de jouer et d’inventer des moyens pour que Mouchette puisse s’exprimer dans son journal où son langage se compose de son, de textes et d’images qui interagissent.

Voilà, nous sommes en 1996, et il a fallu attendre les années 2010 pour que le web-documentaire se développe.

> Martine Neddam
> Mouchette.org

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OpenTTD (sur mon ordinateur)

Arts appliqués et arts-plastiques

Le débat de savoir si les jeux vidéo peuvent entrer dans la catégorie des productions artistiques ne m’intéresse pas beaucoup. Bien-sûr que c’est de l’art.

Les jeux vidéos sont des produits créatifs conçus dans l’objectif de divertir leurs utilisateurs en utilisant différents moyens. Scénario, personnages, musiques, décor, interaction… Tout est pensé pour que la personne qui joue soit divertie. Et lorsqu’on voit des jeux aussi complexes et riches que Assassin’s Creed ou Bioshock, c’est presque scandaleux de penser qu’un réel travail de créateur et d’auteur n’est pas la source de ces succès.

On n’a pas été choqué outre mesure de l’entrée des jeux vidéo dans les galeries d’art mais qui sont finalement les mêmes qui vendent des objets de collection du monde du cinéma. Les authentiques toiles numériques, comme disent les autres, sont finalement des reproductions sur toile de travaux issus de la production des jeux.

Certes on reconnaît le talent et la créativité des auteurs qui contribuent à la conception d’univers uniques, pourtant on ne se résout pas à les faire entrer dans le panthéon des musées d’art. Pourtant, je suis persuadée que ceux jeux vidéo seront très bien accueilli dans des musées comme celui des Arts Décoratifs de Paris. Voilà donc où se trouve le problème, c’est le fait que ces jeux numériques créés pour le simple divertissement de la population soient juchés au même piédestal que des oeuvres à caractère plastique.

La rupture d’une frontière entre arts-plastiques et arts appliqués est une chose bien sensible. Pour ceux à qui cela ne parle pas beaucoup, c’est comme la différence entre la recherche universitaire en mécanique et la production réelle d’un moteur dans un atelier. Il y a un décalage entre la recherche artistique, prototypique, et la production ayant pour enjeu d’être reproduite et distribuée.

Les arts numériques, et notamment l’art vidéo, et même la photographie ont un peu altéré le postulat de Walter Benjamin dans L’Oeuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique qui consiste à dire qu’un objet reproductible n’est pas une oeuvre d’art. Cette dernière se doit d’être unique. Pour parer cette idée, certains photographes et artistes numériques prennent le parti de produire en série limitée ou encore dans des installations sans lesquelles l’oeuvre ne serait pas complète.

Les arts-plastiques, et surtout en art contemporain, aiment penser l’oeuvre mais également tout l’environnement autour de l’oeuvre qui participent à sa prise de sens et à sa réception par le public. Finalement, voir, admirer, ou consommer une oeuvre d’art de la manière qu’on le souhaite sans que cela n’entache son enjeu, et sans que cela ne soit une manière de la recevoir pensée par l’artiste, dégrade sans doute sa spécificité pour l’empêcher de faire partie des oeuvres d’art.

Assassin’s Creed Brotherhood

La guerre de 100 ans

Alors la bataille du refus d’accepter les jeux vidéo dans les arts n’est aucunement une petite guerre de rétrogrades qui ne souhaitent pas voir d’écrans à côté des peintures de Monet au Museum of Modern Art de New York. Elle est le reflet d’une question qu’on se pose depuis des décennies à savoir celle de la frontière – s’il y en a une – entre la création utile et la création plastique qui sans laquelle les arts appliqués ne progresseraient pas.

Ne rejetons pas les jeux vidéo comme s’il s’agissait d’un art médiocre et sans valeur.
Mais de la même manière, ne jetons pas la pierre aux arts-plastiques qui permettent l’expérimentation des matières et des mediums – y compris les oeuvres numériques – afin de développer d’autres champs possibles pour les créateurs du design et des arts appliqués.

Bioshock

Pong

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Ces années et l’imagerie qui en écoulent incarnent également le relèvement d’une société grâce à l’innovation. En d’autres termes, c’est une époque bien glorieuse qui fait sans doute du bien à nous autres qui subissons des coupes budgétaires, des tarifs immobiliers au plafond et ce dont on peut entendre parler au JT.

Il est évident qu’une société qui va bien, fait du bien à voir.

Page d’accueil du site de la boutique de décoration et accessoires « La Chaise Longue »

Alors on mange tous américain, on se décore à l’américaine mais pas n’importe laquelle. Je ne suis certainement pas la seule à avoir constaté cette tendance où il est bon de s’habiller comme dans Mad Men, de porter un tablier avec des poids et des froufrous, et de manger des burgers dans des restaurants qui ressemblent à des Diners.

Il y en a même un de ce style dans le terminal C de l’aéroport de Tegel à Berlin. Smoothies, cheesecake, carrot cake et autres étaient en vente pour être dégusté sur des chaises hautes chromées à côté de fausses bornes de station service rouges.

Entre le secteur de la cuisine, de la mode ou de la décoration, nous ne sommes pas vraiment épargnés par cette tendance. Ce n’est pas un mal, c’est tellement bon le gâteaux au carottes ! Mais cela en parfois presque absurde ; je suis allée la semaine dernière dans un restaurant d’influence japonaise (Nanashi) qui sert alors des bentos et autres spécialités nippones, mais qui propose en dessert des cheese cakes et des carrot cakes. Mais si vous y allez, goûtez y quand même car c’est délicieux.

Mes recherches autour de ce sujet m’ont dont menée à ce terrible bon dossier du dernier numérique d’Étapes intitulé Edward Hopper ou les interstices de la vie écrit par Pierre Fresnault-Deruelle, professeur de Sémiologie à l’Unvisersité Paris 1 (Panthéon-Sorbonne). J’apprends alors l’existence de ce mouvement dont on ne m’a jamais parlé en Histoire de l’Art à savoir le mouvement American Scene qu’on appelle aussi Regionalism. Il s’agit d’un mouvement qu’on estime se manifester des années 1920 aux années 1950 peindre et dépeindre le quotidien populaire des Américains, et dans ce cadre les peintures de Hopper ne s’y inscrivent pas forcément.

Hopper, Excursion into Philosophy, 1959

Edward Hopper, Night Windows, 1928

Edward Hopper, Gas, 1940

Les images sont contemplatives et mélancoliques. Elles m’inspirent alors ces images de paysage vides et de bâtiments sans réel signe de vie vus lors de l’exposition rétrospective Joel Meyerowitz à la Maison Européenne de la Photographie ou encore aux clichés de Noel Kerns, ou encore à celle de Raymond Depardon dans son parcours de la France qu’on aperçoit dans le film Journal de France sorti en salles l’an dernier.

Il apparaît une image des États-Unis qui semble se résumer à quelques objets et quelques lieux.

Il y a ce rapport entre l’homme et la femme, le ménage parfait tel qu’on le voit dans Ma sorcière bien-aimée qui ne plaît pas tellement aux féministes mais qui donne certainement une image rassurante d’une famille parfaite et normale dans laquelle on peut se réfugier après une journée de travail normale. Enfin il y a ces lieux caractéristiques qu’on reconnaît à certains objets. C’est ainsi que  nous imaginons le fameux diner que chante Suzanne Vega, nous l’imaginons avec des banquettes alignées et des tabourets chromés alignés le long d’un bar où on sert des oeufs au bacon. Les bornes de stations services, objets d’extérieurs, sont également extrêmement présentes pour rappeler le lien entre les Américains et leur voiture et la fameuse figure du routier.

© Joel Meyerowitz Courtesy Howard Greenberg Gallery, New York City

Bérénice Abbot, Station essence à Manhattan, 1935, série Changing New York visalisable ici

David Falconer, Durant la crise du pétrole (1973-1974), du carburant imoprté était encore disponible dans l’Oregon, mars 1974, Projet Documerica

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© Joel Meyerowitz Courtesy Howard Greenberg Gallery, New York City

Joel Meyerowitz est donc un photographie né en 1938 dans le Bronx, son travail est accueilli jusqu’au 7 avril 2013 à la Maison Européenne de la Photographie (Paris) à l’occasion d’une exposition rétrospective. Félicitons par ailleurs cette institution pour la mise en ligne de son nouveau site Web, sur lequel je peux à présent trouver les horaires d’ouverture en moins de 15 minutes. En revanche, il faudra penser à bien remplir la page de mentions légales mais c’est une autre histoire.

Joël Meyerowitz est connu pour son travail de photographies en couleurs durant les années 60, à un moment où dans la photographie artistique le noir & blanc était la technique consacrée. La légende dit que Meyerowitz a attrapé au hasard une pellicule qui s’est avéré être une couleur et que le rendu lui a plus. Autre frein à cette technique, la difficulté populaire de développer des clichés en couleurs soi-même .
En résumé, la couleur est un truc d’amateur.

Il fit pourtant quelques photographies monochromes dont une série où il se promenait avec deux appareils pour pouvoir faire -presque- deux fois la même photo : une en noir & blanc, une en couleur. Ces expériences le rassurent dans son choix car il trouve le monochrome trop gris et sans de caractère.

© Joel Meyerowitz Courtesy Howard Greenberg Gallery, New York City

D’autres photographies sont réalisées à la chambre. Il s’agit de photographies de paysages et de bâtiments typiquement américains comme le ferait Depardon en France, ou bien des photographies de rues. Pour ces dernières la discrétion est impossible et il assume alors de ne plus être un photographe incognito. On remarque alors sur ces séries des personnes regardant directement l’objectif.

© Joel Meyerowitz Courtesy Howard Greenberg Gallery, New York City

C’est une belle exposition, et ne vous faîtes pas avoir avec l’escalier de la Maison Européenne de la Photographie qui en réalité vous fait déboucher au milieu de l’exposition. Il faut donc aller des deux côtés pour ne pas risquer d’en louper la moitié.

J’en retiens des compositions opposées. On reconnait en effet des prises de vues faites en marchant avec la ligne d’horizon bancale, mais également des images très composées, mises en scène et certainement recadrées où tout rentre bien dans le rectangle.

La partie sur Les éléments m’a beaucoup moins parlée, je ne suis pas très sensible à ce type de sujets. En revanche, dernier détail mais pas des moindres, Joel Meyerowitz fut le seul et unique photographe accepté sur le chantier de Ground Zero après la chute du World Trade Center. C’était alors peut-être la première fois que je voyais des images de ces chantiers exposées et il faut admettre qu’elles sont impressionnantes. On note le décor post-apocalyptique mais surtout le travail nécessaire autour de ce lieu chargé en mémoire.

Et la réponse à la question que je me pose toujours : les tirages de l’exposition ont bien été réalisés exprès pour cette dernière.

Une exposition jusqu’au 7 avril 2013
> Page de l’exposition
> Informations pratiques

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Il arrive forcément un moment où on se démotive. Cela dure plus moins longtemps. Cette phase de doute, c’est celle où on pense que ce qu’on faut ne vaut pas forcément grand chose alors cela n’en vaut pas la peine. Chez moi, ce sont des petites périodes de plus en plus courtes mais régulières. J’apprends au fur et à mesure à maîtriser ce sentiment néfaste car déprimant et qui m’empêche d’avancer.

S’il y a bien une chose que j’ai pu acquérir durant ces quelques derniers mois ou dernières années (je ne sais pas trop), c’est bien la ténacité à ne pas lâcher mon rythme de production. Qu’importe si ce dessin est bien banal et faux, qu’importe si cette photographie est normée, je produis toujours, encore, et tout est un prétexte. Ce verre que je croque n’est pas bien passionnant, mais tant pis, je saisis tout de même sa silhouette et bien que le sujet semble déjà avoir été traité par 3000 ans d’histoire de l’art, je m’en fiche absolument et je continue.

Car je continue d’apprendre quand même. Et même si on ne dessine pas mieux ou si on ne cadre pas mieux ses photos après cette séance, on en a appris beaucoup sur soi.

L’outil et le médium, ce n’est pas que le crayon, le feutre ou cet appareil photo numérique de dernière génération, c’est aussi et surtout soi-même. Il faut apprendre à se maîtriser, aller à la rencontre de son style et de sa griffe. Et c’est en faisant des choses banales et déjà-vus, en les regardant et en les comprenant, qu’on finit par reconnaître ce qu’il y a de très personnel dans cette photographie si habituelle. 

Choisir les arts-plastiques comme loisirs ou passe-temps favori, ce n’est pas seulement avoir envie de fabriquer de jolis choses avec les derniers masking tape vendus chez Rougier & Plé ou Géants des Beaux Arts. Pour ma part, c’est aussi partir à la recherche de moi-même en essayant de comprendre les choix que je fais et l’esthétisme que j’esquisse à travers des croquis quotidiens paraissant tellement communs.

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Si tu m’avais dit il y a deux ans que je serais aujourd’hui une forme de spécialiste du déchet et des poubelles en herbe, je pense que je t’aurais pris pour un fou. C’est pourtant ce qui arriva.
À partir d’une question presque idiote tant on est pas habitué à la poser, je fus plongée dans une masse d’informations absolument passionnante et pour laquelle je ne portais aucun intérêt à peine quelques semaines avant de commencer mes recherches. La fameuse question était alors : peut-on jeter sur Internet ?

Cela aurait pu être le plus gros fail de ma scolarité

Mal formulée, succinte, peu précise, cette phrase était écrite sur un bout de feuille volante car j’étais assez en retard dans le choix de mon sujet de mémoire. Question idiote venue « comme ça », et question que je ne trouvais pas fameuse tant la tendance numérique posait plutôt la question inverse, soit celle du stockage et de la conservation de la mémoire.

Le droit à l’oubli, je m’en fichais, c’était alors pour moi une variable absolument mineure de ma question et mes recherches l’ont confirmé. Pour tout vous avouer, j’ai totalement flippé devant ce thème de recherche, surtout lorsque Vincent Lemire me dit que des études en ce sens n’existe pas encore et que d’autres semblent dire que je pars dans tous les sens sans grande cohérence. Car voilà le vrai risque lorsqu’on t’a dit que tu avais potentiellement le sujet de l’année : la pression, le manque d’historique sur lequel se reposer ; ça peut autant être un succès qu’un fiasco complet.

Pour ma part, ce fut un succès, au prix d’heures de travail que je n’ose pas vous communiquer, et au prix d’une obsession complète pour tout ce qui se rapproche de près ou de loin à l’idée de déchet durant une année entière (et encore maintenant). Dorénavant, lorsque je rencontre de nouvelles personnes de la sphère numérique, on – surtout Richard Malterre l’homme le plus sexy de la blogosphère technologique - a tendance à me présenter ainsi : c’est Syphaïwong Bay, elle a un blog qui a gagné un award, et elle a fait un mémoire sur les poubelles. Je suis donc en quelque sorte Madame Déchet du Web.

Les recherches commencent

Une rue de New York en 1911

Ce qui va suivre, c’est à peu de choses près ce que j’ai raconté lors de ma soutenance de mémoire devant Vincent Lemire et Christophe Aguiton. Je ne vais pas raconter ce qu’il y a écrit dans mon mémoire, mais je vais vous raconter mon chemin de pensée et comment j’ai finalement réussi à structurer toutes ces idées. Je vous épargne les références bibliographiques, et je me ferai un plaisir de fournir le PDF de mon mémoire à la demande aux personnes intéressées. :-)

Une fois le thème trouvé, il faut que je trouve un angle d’attaque. J’ai alors choisi celui de l’anthropologie ou surtout celle de l’anthropologie de comptoir s’il en existe une. J’ai choisi de prendre le parti de considérer le concept d’objet numérique. Tout est un objet numérique : un fichier, une ligne de code, une information, une image, une page Web, un site, un réseau de site… C’est pour simplifier mes analyses et me concentrer sur la constitution d’une typologie qui concernera vraiment la notion de déchet. Ensuite, cet objet numérique est analysé par mes soins en le comparant à l’objet physique. Les deux concepts sont opposés mais considérés comme frères.

Le déchet Web : Jeter, conserver, et recycler le duplicable

Bien que j’avais déjà une forte liste de choses qui pouvait entrer dans la notion de déchet numérique, que j’avais commencé à classer, je ne me suis pas précipitée dans leurs analyses précises pour d’abord tenter de comprendre la formation du déchet dans sa globalité : physiquement, psychologiquement, anthropologiquement. J’ai également entrepris d’étudier le vocabulaire du déchet en français et en anglais : jeter, effacer, supprimer, poubelle, déchet, trash, garbage, trashcan, delete…

Mes recherches m’ont en conséquence menée à l’étude de l’abject d’un point de vue sanitaire, morale, religieux, éthique… Ce sont autant de notions qui m’ont permise de comprendre pourquoi, à un moment donné, on considère que cet email est un spam et que l’autre n’en est pas un.

Ainsi, j’ai entamé des recherches sur la vie d’un objet pour identifier l’objet, le déchet, le grenier, la brocante, la notion de seconde-main… tous ces éléments m’ont aidée à analyser le déchet numérique conservé dans une corbeille, supprimé ou jamais réellement supprimé. Bien-sûr, tout ce que je raconte là est terriblement incomplet. De la même manière, j’ai mis les pattes dans un peu d’urbanisme pour pouvoir suivre le chemin du déchet dans la ville et voir si les concept associés pouvaient s’appliquer au déchet numérique. Parfois oui, parfois non.

Mais comme on peut s’y attendre, j’ai pris le temps de me plonger dans la naissance de la poubelle car cette dernière n’est pas si anodine. Ce n’est pas une notion si évidente que de mettre dans une boîte ses déchets et encore moins de les cacher.
Après avoir étudié en détail des dizaines d’exemples de phénomènes numériques pouvant entre dans les catégories conserver (grenier), jeter (déchet), ou encore ruines, j’ai pensé à ce qu’allait devenir tous ces objets numériques jetés, mis de côté, conservés, abandonnés… C’est ce qui a nourri ma dernière partie conservée à l’archéologie en prospective, car il est fort probable que tout ce que nous produisons comme données numériques à l’heure actuelle et que nous oublions sur un coin de table soient les sujets même d’étude par les futurs chercheurs. Il existe déjà tellement d’outils d’analyse de données et de flux que cela ne serait pas bien étonnant.

Une bonne centaine de pages rédigées plus tard, j’en suis venue à l’idée que le réel point en commun entre le déchet physique et le déchet numérique était l’abandon de sa gestion. Une fois l’objet jeté ou oublié, on ne s’en occupe plus et on laisse une entité tierce s’en occuper. C’est ainsi que ce qu’on cache dans sa poubelle (seulement caché) est considéré comme n’existant plus alors qu’il est bien là, et que le fait de le mettre devant sa porte est en réalité le confier à quelqu’un d’autre pour qu’il s’en occupe. Pour le déchet numérique.
Enfin pour répondre à la question « comment jeter sur Internet ? », mon idée est que pour séparer les éléments et en isoler un, il faut détruire les liens hypertextes. Quand j’enlève une image de mon blog, je ne fais qu’enlever le lien entre la page et le fichier image, il est pourtant toujours présent dans le répertoire qui l’héberge. Il y a bien des nuances entre jeter, supprimer, effacer, et détruire, et c’est une chose qu’a bien compris le gouvernement américain lors de la saisie des serveurs de Mega Upload l’an dernier.

Vous le devinerez, je peux en parler durant des heures car il est au finalement au centre de toutes les actions de notre sphère numérique, à l’heure où on se demande comment stocker et archiver toutes nos données. Si avec la loi de Moore on aurait tendance à penser que les capacités de stockage vont évoluer au moins au même rythme que nos données, nous avons pourtant ce besoin de jeter et de trier ne serait-ce que par organisation et c’est ainsi qu’on indexe avec des mots-clefs et autres métadonnées nos informations pour réussir à les retrouver.

Si vous voulez qu’on en parle un peu plus, je vous conseille de poser une journée, je peut être très bavarde. :-D

C’est bien dommage qu’un mémoire s’achève par la soutenance, car plus j’y pense et plus je pourrais le continuer. J’aurais du faire de la recherche.

1ère de couverture, 4e de couverture

Table des matières

Table des matières, page 2 et 3

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L’objet en question est un Fitbit Ultra, un des appareils de la compagnie Fitbit qui commercialise trois principaux produits : un podomètre au design fluo et fun, un petit podomètre discret, et un pèse-personne connecté mesurant également la masse graisseuse.

L’idée est de suivre son activité physique quotidienne afin de pouvoir l’améliorer en se motivant à être plus actif. Pour ce faire, tout est compté ! Les pas pour se déplacer, les piétinements au bureau, les escaliers montés dans les transports en commun… tout compte pour encourager un mode de vie moins sédentaire. Tout est misé sur la motivation.

Design et connectivité mise à part, les podomètres et le pèse-personne n’ont pas réinventé grand chose. L’intérêt de cet appareil se trouve dans les applications qui l’accompagnent. Un tableau de bord en ligne, une application mobile, tout est là pour synchroniser de manière optimale son activité quotidienne. Les données de l’appareil se transmettent quant à elles par Wi-Fi dans la mesure où on se trouve près du poste où on a installé le pilote.

Pour moi, c’est plutôt un gadget qui me permet de me donner quelques défis personnels grâce aux outils de mesure. La partie coaching se trouve principalement dans les fonctions apportés par le dashboard. Ce dernier permet alors de fixer des objectifs à se donner et ainsi de permettre d’enregistrer si l’activité qu’on a est suffisante. Par exemple, je me suis fixée un objectif de perte de quelques kilos superflus, avec une intensité de difficulté moyenne. Le tableau de bord m’indique alors qu’avec telle quantité d’activité avec telle alimentation, je pourrais théoriquement atteindre mon objectif début juin.

En revanche, le tableau de bord ne me dit jamais ce que je dois faire. En réalité, il me met face à la réalité et me permet finalement de prendre conscience de ma sédentarité. Il ne faut pas être un génie pour savoir que je passe au minimum 7 heures de ma journée assise. J’ai surtout réalisé le peu d’effort que je pouvais faire à côté si je me contentais de venir au bureau et de rentrer chez moi ensuite.

Pour manger mieux, cette fonctionnalité me fait l’effet d’un livre de comptes où en entrant une ligne de quelque chose qu’on n’aurait pas du manger, il se crée un sentiment de culpabilité. C’est au final de l’auto-éducation en se forçant un peu à prendre conscience qu’on n’a pas besoin d’un troisième dessert.

J’ai tout de même voulu tester s’il reconnaissait bien tout ce que je faisais et si le Fitbit ne me donnait pas quelques chiffres en convertissant des activités autres en escaliers montés. Sur ce critère, je suis assez impressionnée par la précision dans la reconnaissance des activités. Ce petit objet que je clipse le plus souvent sur le col de ma chemise a plus d’un tour dans son circuit imprimé. On voit donc bien l’heure à laquelle j’ai monté des étages pour partir de chez moi et pour rentrer chez moi. Notez que ce jour là j’ai certainement pris l’ascenseur le midi au bureau. :D
Concernant les pas, c’est plutôt effrayant de voir toutes mes pauses pipi.

Je ne m’y attendais pas, mais j’apprécie surtout la fonction de mesure de qualité du sommeil. C’est typiquement la chose que je ne peux pas appréhender consciemment. Après une nuit et une synchronisation de l’appareil avec le tableau de bord, on entre l’heure à laquelle on se couche et celle où on s’est levé. Les données suffisent alors pour indiquer à quel moment de la nuit, j’ai été active ou si je me suis même levée. Remarquez que je dors plutôt bien ces temps-ci, mais je ne vous montrerai pas de capture d’écran où il y a beaucoup de traits rouges, sinon je vais encore me faire disputer pour dormir plutôt que d’écrire des billets sur ce blog. 

Esthétiquement, je suis ravie du Fitbit Ultra qui n’est malheureusement plus commercialisé sur le site de la compagnie. On continue néanmoins de le trouver sur Amazon et chez Darty, il faut bien écouler les stocks. Il faut donc se retourner vers le Fitbit One (son petit-frère) ou le Fitbit Zip. Au toucher, le Ultra est mat et je ne le sens absolument pas quand je le porte. Il est également plutôt discret et lorsque je le porte sur mon col, ma veste ou mon écharpe a tendance à le cacher de toute façon.

Enfin, pour les personnes qui utilisent déjà des applications de coaching électronique, le Fitbit peut se connecter à bon nombre d’entre elles. La liste est disponible sur leur site.

• Fitbit.com
• Fitbit Zip (59 €)
• Fitbit Ultra, ou Fitbit One (99 €)
• La balance Fitbit Aria avec mesure de la maisse graisseuse et synchronisation Wi-Fi (119 €)

On se retrouve en juin, pour voir si j’ai atteint mon objectif !

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L’outil Ngram Viewer va exécuter une recherche dans les bases de Google Books pour déterminer combien de fois le terme recherché apparaît dans les textes. Grâce à une indexation de la bibliographie bien rodée, l’outil nous donne une courbe évolutive du nombre d’occurrences.

La recherche peut être peaufinée en déterminant la langue et la période de recherche, c’est surtout utile notamment pour s’assurer à peu près que le terme se situe dans le bon contexte.

Ce n’est pas qu’un gadget. Il s’agit à mon avis d’un outil très utile lorsqu’on fait de la recherche documentaire. Le nombre de citation d’un terme ou d’un nom dans la littérature (quelle qu’elle soit) est un signe de popularité négative ou positive. La courbe permet alors d’identifier des pics de bruits autour d’une personnalité ou encore d’un concept.

Tandis que Philippe Pétain a beaucoup été cité dans les textes entre 1940 et 1940, soit durant sa présidence, le bruit autour de Charles de Gaulle semble être aux alentours de 1968. Au doigt  mouillé, je dirais qu’on en a même beaucoup parlé en mai.
En revanche, je me demande ce qu’il s’est passé par rapport à Hitler dans les années 50. Après une petite recherche, il semblerait qu’il y ait eu une rumeur en 1952 sur la fuite d’Adolf Hitler qui serait en réalité mort dans les années 60… Nous sommes aux frontières du réel.

Mais considérations politico-historiques mises à part, j’apprends tout de même que les les hobbits sont plus forts que les jedi, que IBM a la classe, et qu’on n’a commencé à parler de merguez dans la littérature qu’à partir des années 60. Le saucisson est quant à lui grand vainqueur de ce combat de popularité.

> Google Books Ngram Viewer

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Publié pour la première fois en 2009, ce livre est à peu de chose près le même que Datavision qui en est finalement la traduction française. Je ne suis pourtant pas déçue de ma dernière acquisition pour plusieurs choses :

• avoir les infographies dans la langue originale, ce n’est pas un mal,
• Information is beautiful est beaucoup plus beau que Datavision, tandis que Datavision a une pauvre couverture de papier, l’édition anglophone porte une couverture cartonné argenté avec vernis sélectif tout à fait élégante,
• cela ne me dérange pas d’avoir deux versions différentes d’un livre, le paratexte a aussi son intérêt.

Le livre n’en demeure pas pas moins très beau, et très instructif.
C’est aussi une excellente source d’inspiration si on cherche des idées de mode représentations de données.

Voilà donc un coup de cœur de 18 € pour 256 pages d’informations.
> Acheter : Information is Beautiful, David McCandless
> Site de l’auteur

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L’annonce du gagnant est toujours un évènement attendu, car son impact ne se limite jamais à l’année de sa nomination. Cette année, le photographe primé est le photojournaliste Paul Hansen. Personne ne reprochera l’esthétisme de la photographie, ou encore moins son impact émotionnel. Néanmoins, on ne peut ignorer ce rendu qu’un article de Le Monde qualifie de cinématographique.

Mais avant de lancer le débat de la déontologie journalistique sur une image, parlons un peu de la photo en elle-même.

Voyons par exemple la photographie qui remporta le World Press Photo en 1990. Son auteur est Georges Merillon, photojournalisme français. Elle montre une femme en pleur devant un mort qui semble être un de ces proches. Elle est accompagnée de plusieurs autres femmes elles-mêmes touchées par le décès ou bien tentant de calmer la première. La composition n’est alors pas anodine, le sujet n’est pas le mort mais bien la femme au centre éclairée sur le côté comme le ferait un tableau de Johannes Vermeer.

Visuellement, il s’agit d’un motif qui touche le public occidental et pas seulement pour sa valeur émotionnelle forte. Je ne dis pas que vous êtes tous sans coeur, je dis qu’on a tout de même une culture commune. :-)

Ce motif, c’est celui de la mater dolorosa ou encore celui de la pieta qui correspond à la Vierge Marie. Mater dolorosa désigne alors la mère pleureuse qui pleure son fils défunt, tandis que la pieta désigne celle qui recueille le corps de l’enfant. Ce sont deux représentations qui ont été beaucoup reprises dans la peinture, dans la sculpture, dans la gravure… Elle sont à la fois spécifiques à l’histoire de la Bible et universelles, ce qui explique leur impact dans la culture et leur forte présence dans la culture visuelle.

G : Jacques Louis David, Niobé devant ses enfants, 1772, 121 x 154 cm
D : Vincent Van Gogh, Pieta, 1889, 73 x 60 cm

Et plus il y a de personnes qui pleurent, plus c’est impressionnant. Cela me rappelle la tradition ou le rituel des pleureuses. On juge à peu près l’importance de la personne défunte au nombre de gens qui vont être là pour les obsèques. Cela ne date aucunement d’hier puisqu’on retrouve des images de pleureuses sur les fresques de l’Egypte ancienne.

Obsèques à New York de Horace Greeley, 1872

C’est bel est bien universel au point où il existe même des pleureuses professionnelles qu’on loue pour montrer à quel point la perte de l’être défunt est terrible.

Source

En analysant la photographie de Paul Hansen, elle correspond à peu près aux icônes que je viens de décrire. Elle est à la fois pieta, mater dolorosa et pleureuse car il s’agit d’emmener les enfants tués par un missile israélien à Gaza.

L’émotion de la photographie est alors poussée grâce à son esthétique remarquable et à son potentiel à l’identification. Elle présente le cas particulier de deux enfants, mais elle est empreinte de la mémoire des enfants décédés et pleurés.

Quel est le débat ?

Il est assez simple et même courant. Une photographie de presse est là pour donner une information. Elle peut compléter un article ou être absolument indépendante pour constituer un message  à elle seule.

Dans cette idée, il convient d’imaginer une photographie de presse absolument neutre et quasiment factuelle. La technologie permet de capturer des instantanées sans problème et dorénavant on ne snobe plus tellement le numérique qu’il viennent d’un téléphone portable ou d’un 5D Mark III. L’image prime, l’information avec elle.

La retouche photo semble alors être exclue. C’est plutôt logique, à partir du moment où une retouche est faite sur une photographie qui veut être factuelle et montrer un réel (et non pas le réel), alors il ne faut pas la retoucher. Je dirais même qu’il est inutile de la retoucher.

Pourtant, dans l’histoire de la photographie de presse il y a eu de splendides photographies. Certaines sont dures et il y a aussi la fameuse question de « qu’a fait le photographe ensuite ? ». Ce n’est peut-être pas tant l’image le problème mais bien la volonté de son auteur qu’on peut interpréter à travers un tas de couleurs de forme rectangulaire.

Véronique de Viguerie membre du jury du World Press Photo explique qu’il était admis de faire avec photoshop ce qu’il est possible de faire en chambre noire. En effet, la chambre noire permet déjà de faire beaucoup de retouches ne serait-ce que sur la luminosité ou le contraste des images. C’est la raison pour laquelle je ne suis jamais choquée qu’on retouche une image réalisée avec un appareil numérique, car je considère que le fichier est une version brute comme le serait le négatif, même si la retouche n’est pas toujours nécessaire.

Au final, on fait très bien la différence entre une photographie dont la retouche va trop loin, à partir du moment où elle change un fait. La retouche de la couleur du ciel n’est pas forcément grave, mais si on enlève des nuages ou qu’on le rend plus bleu, on change alors les conditions météorologiques ce qui peut être gênant sur certaines scènes.

Mais lorsqu’il s’agit d’un rendu purement esthétique : couleur, contraste, accentuation de la netteté… on ne peut pas tellement le reprocher.

On reprocha au photographe français Franck Fournier sa décision de photographier Omayra Sánchez agonisante, face à l’inaction du gouvernement colombien (1985).

La réelle problématique derrière cela, est peut-être bien la question du droit de rendre beau ce qui est horrible. Dans certains cas, il y a une autocensure du photographe qui décide lui même de ne pas prendre une photo une scène qu’il juge inappropriée de photographier. C’est souvent tout simplement par respect, ou parce que ça ne se fait pas. Rappelons-nous le film des pompiers de New York dans laquelle on entend les personnes qui se suicident du hauts des Twin Towers tomber au sol. Nous n’avons pas vu de photographies de ces gens au sol.

Mais lorsque la photo est là, embellie, splendide, alors qu’elle montre une enfant bloquée par la boue et le béton à cause d’une éruption volcanique, qu’en pensez ? La misère, la mort, le malheur, peut-on rendre cela beau au nom de l’esthétisme et surtout lorsqu’on se trouve dans le cadre de la photographie de presse ?

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Credit: Damon Winter / The New York Times

Rattraper trois numéros du magazine Etapes en retard, ce n’est pas évident. Et cela l’est encore moins lorsqu’il est devenu bimensuel et pèse maintenant près de 200 pages. Tandis qu’une grande partie de la revue se résume en un portfolio géant pour inspirer les graphistes et autres intéressés, la dernière partie sur papier mat s’attelle à des analyses dans la veine culture visuelle. Dans le numéro 210, un dossier est consacré à l’usage des stickers dans la dernière campagne présidentielle américaine. Excellent article ! J’ai donc entrepris de faire quelques recherches en ligne pour en savoir plus.

Les campagnes électorales américaines créent des armées de produits dérivés

Une campagne électorales aux États-Unis, c’est beaucoup de communication et une grande production de produits dérivés. Durant les dernières Présidentielles françaises, je fus un peu déçue quant à la production graphique. J’attendais un peu de près les identités visuelles de partis dans l’idée de trouver des petites choses intéressantes (pour ne pas dire marrantes). Mais il est vrai qu’on ne fait pas dans le grand spectacle par chez nous.

Cette tendance ne date pas hier. À gauche, nous avons le candidat Ronald Regan en Floride lors des élections de 1980 aux États-Unis. Bien sûr, Reagan est un acteur et il n’est pas nécessaire de lui apprendre comment charmer en public. Mais voyez la simplicité et l’impact de la pancarte. Il faut alors imaginer qu’il s’agit surtout d’un format très facile à reproduire et qui peut être distribué à tous les électeurs. Mais pour remonter encore plus loin dans le temps, je vous ai trouvé un document de 1916  qui présente un camion aux couleurs du candidat Woodrow Wilson, 21e Président des États-Unis (1913-1921). Le véhicule n’a alors rien à envier à la page d’accueil de Cdiscount.

Une grande production, et une production multiple

En 2012, il ne faut pas oublier que les États-Unis c’est plus de 300 millions d’habitants, des dizaines de groupes ethniques et de communautés. Chacune est à convaincre que le candidat est le meilleur, ou bien celle qui a le plus de votant est à convaincre qu’e le candidat est indispensable. Le génie de la campagne Obama a notamment été la mise en place d’une communication graphique spécifique pour chaque groupe social. C’est une sorte d’identité graphique personnalisée et étudiée en fonction de la cible marketing. Ainsi, tout le monde peut proclamer pour qui il votera, et il le fait fièrement.
Il y en a pour tous les goûts, et si votre compagnon animalier est d’accord, vous pouvez même lui faire porter un bandana républicain ou démocrate.

Et avec le développement des technologies d’impression, c’est une véritable guerre au stickers qui se met en place. Il y en a partout, sur tous les supports et surtout sur les voitures. Le retour du décalcomanie nous amène vers l’avènement du bumpers stickers qu’on appose sur son véhicule. Et si en France, coller un autocollant In Tartiflette We Trust relève de la rebellion sociale, déclarer ses opinions politiques sur sa voiture semble plutôt courant aux États-Unis comme le montre bien cet article.

Il y a même un tutorial vidéo en ligne, au cas où on hésiterait encore.

Mais bien entendu, ce O bien rond pour Obama est une belle opportunité pour les Républicains. Le O se détourne en zéro ou en NO. Mitt Romney a plus d’un tour dans son sac.

J’ai l’air bien maligne maintenant avec mes stickers LinuxFr, et Ubuntu. Mais maintenant que j’y pense, il en faut plus ! Peut-être vais-je songer à lancer une vaste campagne de stickers Écribouille et les coller à travers tout Paris. Malheureusement, cela ne me permettra pas de rivaliser avec Sheppard Fairey à moins d’y passer vraiment beaucoup de temps.

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Encore un billet qui n’est que le résultat d’une question que mes camarades blogueurs me posent : comment choisis-tu tes accroches ? Accroche, chapeau, exergue, punchline… autant de termes qui correspondent à des formes différentes mais qui ont au final la même visée.

Le début de l’article est peut-être la seule chose qui sera lue

Ne soyons pas naïfs, ou plutôt soyons honnêtes avec nous-mêmes. Lorsque tu attrapes le 20 Minutes ou le Métro au détour d’une rue, tu ne lis pas toujours tout. De la même manière, en feuilletant les pages du Courrier International, rien ne t’oblige à lire un article de la première majuscule jusqu’au dernier point.

Vois toutes ces choses qui peuvent te distraire, ce sont autant d’éléments qui peuvent t’écarter d’une lecture facultative effectuée pour ta veille ou encore simplement pour voir ce qui se passe dans le monde.

C’est comme les mémoire de recherche, les dissertations et autres commentaires qu’on peut effectuer durant ses études. Globalement, on lit le titre, l’introduction, la fin… et si cela paraît bien, on regarde ce qu’il y a dans le corps de la bête. Ce n’est pas une vérité générale, mais ce qui est bien vrai est qu’on peut estimer que le titre et le premier paragraphe suffisent pour passer à autre chose.
Pourtant, ce n’est pas une raison pour mettre le moins d’informations possible dans cette partie du billet. Il faut même faire l’inverse pour que le lecteur n’ait pas une interprétation complètement contraire à ce que tu as tenté de développer pour enfin poser un commentaire qui sera mis dans les spams.

Quelle forme ?

Chapeau, exergue, intégration au premier paragraphe… Je dois admettre que je suis de moins en moins fane de ce fameux chapeau. Peut-être est-il trop académique et souvent peu naturel. C’est la forme en trop qu’on ajoute parce qu’on se dit que ce sera utile, de la même manière qu’on se force à faire des phrases de transitions bidons supplémentaires dans des dissertations. Une forme redondante juste pour la forme, le chapeau est un filet de sécurité lorsqu’on estime que son titre, et son début d’article est insuffisant.
Mais ce sentiment vient sans doute du fait que le chapeau demeure faire partie du paratexte, soit tout ce qui n’est pas le texte. C’est un commentaire supplémentaire, ce n’est pas le propos. Alors j’ai tendance à penser qu’il faut le prendre comme tel. Ne pensons pas le chapeau comme étant une introduction supplémentaire, redondante et inutile, prenons le en tant qu’espace où un commentaire complémentaire peut être exprimé.

L’exergue est le lieu de la citation. Toujours plus ou moins court, il permet d’illustrer par le promos d’une autre personne son propre propos. C’est en quelque sorte la justification de ce qu’on dit pointant le fait qu’une autre personne fort intelligente pense la même chose. Mais ce peut également être la source d’inspiration qui a donné l’angle du sujet révolutionnaire.

Quant à l’accroche, celle qui pose le premier paragraphe, elle permet de mettre le contexte en avant. Elle présente l’angle de l’article ou la précise si le titre semble être trop généraliste. Elle peut également être absolument factuelle et c’est souvent très bien ainsi. C’est également le moment où il est bien utile de montrer qu’on sait jouer avec un riche lexique qui va retenir l’attention et encourager à lire la suite.

Le factuel

Celui qui précise l’angle, et qui le fait bien pour ne pas commencer par un discours trop intello

Celui qui cite Shakespeare, mais qui se rattrape bien avec une promesse de violence bien croustillante

Et ça s’optimise pour le Web ?

Oui. Du moins, c’est mieux de le faire. L’écriture pour le Web, c’est aussi se rappeller que ce qu’on publie sera affiché sur différents autres supports et de différentes manières. Si on choisit comme moi de ne pas remplir de balise de description supplémentaire – cette corvée -, alors le début de son article est réellement à soigner.

En effet, cette partie sera bien souvent la seule visible sur les supports de diffusion. C’est la raison pour laquelle l’accroche factuelle ou celle qui précise simplement le contexte n’est pas forcément une mauvaise idée. Tu auras tout le corps de texte pour montrer que tu es la plume du siècle.

Autre fait pratique, l’accroche est souvent la partie qu’on conserve en extrait lorsque l’affichage du billet est limité sur l’accueil du site. Pensons-y !

À peine 150 caractère pour Google, mais « ça dépend ».

Google+, 160 caractères et un de trop pour le Rayon UX

Facebook reprend toutes les données qu’il peut, le partage automatique c’est mal.

Les 215 caractères de Hellocoton

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Felix Ziem est un artiste connu pour ses carnets de croquis, des aquarelles et ses peintures. Grand voyageur, chaque ville était un nouveau prétexte d’étude et de production. On passe de Venise à Antibes, puis on se retrouve à Meudon avec un détour par Barbizon sans aucun problème. Il est par ailleurs impossible d’avoir le mal du pays tant le travail est admirable.

Avant tout aquarelliste, la maîtrise de ce medium se ressent dans les peintures à l’huile. La technique de la réserve en aquarelle – elle permet de garder du blanc de la feuille pour réhausser la peinture – se transcrit alors à l’huile par des touches de blancs et de teintes très contrastées. Le travail de la superposition de plusieurs couleurs pas toujours attendues en aquarelle se voit également, mais j’ai envie de dire qu’il le voir car mes photographie rendent malheureusement très mal cet effet.

Mais comme à l’aquarelle, il ne s’agit pas d’être exhaustif mais plutôt de saisir les silhouettes et les humeurs du sujet. Ce n’est pas si étonnant si Monsieur Ziem s’entendait si bien avec l’école de Barbizon, la bande de paysagiste d’après nature.

Moi qui pratique un peu, surtout le dessin au feutre et l’aquarelle (ou le lavis en général), j’ai réellement apprécié cette exposition. Penchée sur les peintures, je voulais reconnaître le sens du geste, l’outil et le papier. J’ai noté des techniques et des manières de faire que je pourrais essayer. Un vrai plaisir, d’autant plus lorsque le Petit Palais est quasiment vide.

Si vous voulez vous y rendre, l’exposition Felix Ziem, « J’ai rêvé le beau » dure jusqu’au 4 août 2013 au Petit Palais.
> Plus d’informations 

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